Rezumat despre disciplină:
Arta Folk

Subiect
„Fotografia este ca o formă de artă modernă.”

Completat de: Zakharova M.S.
Student 529 – 3 GRUPE
Verificat de: E. Streltsova

MOSCOVA

2010
Conţinut:

1.Originile fotografiei

2. Maeștri în fotografie

3. Fotografi ruși

4. Tipuri de fotografie

Concluzie

1. Nașterea fotografiei

Fotografie(fr. fotografie din greaca veche ??? / ???? - lumina si????? - scris; pictura in lumina – tehnica desenuluiușoară ) - primirea și salvarea unei imagini statice pematerial fotosensibil (film fotografic sau matrice fotografică ) cu ajutor camere de luat vederi .
De asemenea, o fotografie sau o fotografie, sau pur și simplu un instantaneu, este imaginea finală obținută ca rezultatproces fotografic și vizualizate direct de o persoană (aceasta înseamnă atât un cadru de film dezvoltat, cât și o imagine în formă electronică sau tipărită).

Originară inițial ca o modalitate de a surprinde portrete sau imagini naturale, realizată mult mai rapid decât cu mâna artistului, fotografia a pătruns apoi în toate sferele activității umane. Obiectivitatea și acuratețea imaginii fotografice au făcut din aceasta una dintre modalitățile eficiente de afișare a realității, cel mai important mijloc de informare și documentare. Fotografia este utilizată pe scară largă în artă, ceea ce a creat termenul de fotografie artistică. A devenit posibil să vorbim despre diferitgenuri de fotografie . Abilitatea diverse materiale capturarea de imagini a devenit foarte solicitată în cea mai mare parte diverse industriiştiinţă, determinând apariţia fotografie științifică. În tehnologie, nu fără participarea fotografiei, s-au dezvoltat ramuri precum tipărirea și reprografia. Fotografia a ocupat un loc la fel de important în viața de zi cu zi. În mai puțin de 200 de ani de existență, fotografia mondială a parcurs un drum lung și complex de dezvoltare și îmbunătățire continuă. În același timp, toate aspectele industriei s-au dezvoltat într-o conexiune organică: materiale fotografice și procese fizice și chimice, principii de producere a imaginilor, echipamente fotografice, genuri și tehnici creative.

Data nașterii fotografiei este considerată a fi 7 ianuarie 1839, când fizicianul francez D.F. Arago (1786–1853) a informat Academia de Științe din Paris despre invenția artistului și inventatorului L.Zh.M. Daguerre (1787–1851) a primei metode practic acceptabile de fotografie, numită dagherotip de către inventator. Cu toate acestea, acest proces a fost precedat de experimentele inventatorului francez J.V. Niépce (1765–1833), asociat cu căutarea modalităților de a capta imagini ale obiectelor obținute sub influența luminii. Prima imprimare supraviețuitoare a unui peisaj urban, realizată folosind o cameră obscura, a fost obținută de el în 1826. Niepce a folosit o soluție de asfalt în ulei de lavandă ca strat sensibil la lumină aplicat pe plăci de tablă, cupru sau argint. Încercând să pună în aplicare invenția, la 28 decembrie 1827, autorul a trimis o „Notă despre heliografie” și mostre din munca sa Societății Regale Britanice. În 1829, Niepce a încheiat un acord cu Daguerre pentru a forma întreprinderea comercială Niepce-Daguerre pentru a lucra împreună pentru a îmbunătăți metoda inventată de Niepce și Daguerre. O continuare a dezvoltărilor lui Niépce a fost lucrarea ulterioară a lui Daguerre, care deja în 1835 a descoperit capacitatea vaporilor de mercur de a dezvălui o imagine latentă pe o placă expusă iodată, non-argint, iar în 1837 a reușit să surprindă o imagine vizibilă. Diferența de fotosensibilitate în comparație cu procesul Niépce atunci când se folosește clorură de argint a fost de 1:120.
Perioada de glorie a dagherotipului datează din anii 1840-1860. Aproape simultan cu Daguerre, o altă metodă de fotografiere, calotipul (talbotipul), a fost raportată de savantul englez W.G.F. Talbot (1800–1877) a obținut fotografia în 1835 folosind „desenul fotogenic” propus anterior. Un dezavantaj semnificativ al „desenului fotogenic” a fost expunerea lungă. Asemănarea dintre metodele lui Daguerre și Talbot a fost limitată la utilizarea iodurei de argint ca strat fotosensibil. În rest, diferențele erau fundamentale: la dagherotip s-a obținut imediat o imagine pozitivă de argint reflectorizant în oglindă, care a simplificat procesul, dar a făcut imposibilă obținerea de copii, iar la calotipul Talbot s-a realizat un negativ, cu care a fost posibil să se realizeze orice număr de printuri, a fost implementată o secvență negativ-pozitivă în două etape a procesului - prototipul fotografiei moderne.
Nici Niepce, nici Daguerre, nici Talbot nu au folosit termenul „fotografie”, care a fost legalizat și i s-a dat dreptul de a exista abia în 1878 în Dicționarul Academiei Franceze. Majoritatea istoricilor fotografiei cred că termenul „fotografie” a fost folosit pentru prima dată de englezul J. Herschel la 14 martie 1839. Cu toate acestea, se cunoaște o altă versiune, acordând prioritate astronomului berlinez Johann von Madler (25 februarie 1839).
Inventatorul filmului fotografic a fost fotograful amator american G.V. Goodwin (1822–1900) a depus o invenție în 1887 pentru „Filmul fotografic și procesul de fabricație”. Introducerea filmului fotografic, și apoi dezvoltarea de către J. Eastman (1854–1933) a unui sistem fotografic folosind acest material fotografic, au condus la schimbări fundamentale în industria fotografică și au făcut fotografia accesibilă consumatorului de masă, atât din punct de vedere tehnic, cât și economic.
Ulterior, echipamentul fotografic s-a schimbat semnificativ și, mai ales, în partea sa optică. Optica a făcut progrese semnificative. Există multetipuri de lentile , care a început să fie folosit pentru tipuri variate filmare Varietatea sarcinilor artistice i-a confruntat pe fotografi cu nevoia unei abordări mai subtile și mai diferențiate a implementării lor. Pentru fotografia de peisaje și arhitectură, pentru a obține o „capacitate mai mare” a cadrului, au început să foloseascălentile cu unghi larg , care s-a dovedit a fi inaplicabil pentru un astfel de gen de fotografie precum portretele, deoarece utilizarea acestora din urmă provoacă o distorsiune semnificativă la fotografierea la distanță apropiată. Complexfiltre de lumină , permițând corectarea foarte subtilă a efectelor vizuale și controlul magistral al fixării culorii. Dar toate aceste caracteristici ale tipurilor moderne de dispozitive fotografice merită luate în considerare separat.

Dezvoltarea echipamentelor fotografice

Primele camere aveau dimensiuni și greutate semnificative. De exemplu, camera L.Zh.M. Daguerre a cântărit aprox. 50 kg și avea dimensiuni de 30 pe 30 pe 50 cm Designul majorității camerelor din această perioadă era o cameră cutie, constând dintr-o cutie cu un tub în care era încorporată obiectivul și focalizarea se făcea prin extinderea obiectivului, sau. o cameră formată din două cutii care se mișcă una față de alta (obiectivul a fost montat pe peretele frontal al uneia dintre cutii). Evoluția ulterioară a echipamentelor fotografice pentru filmare a fost stimulată de interesul larg răspândit pentru fotografie, ceea ce a dus la dezvoltarea unei camere mai ușoare și mai transportabile, numită cameră rutieră, precum și a altor camere de diferite tipuri și design.

O cameră reflex cu un singur obiectiv a fost brevetată de englezul T. Sutton în 1861. Dispozitivele mai multor companii străine au fost proiectate ulterior pe modelul camerei sale reflex Reflex. Camera reflex cu două lentile a fost inventată de englezii R. și J. Beck (1880). În 1929, designerii germani R. Heidicke și P. Franke au dezvoltat camera Rolleiflex SLR, care a fost produsă în diferite modificări timp de aproximativ 60 de ani și a devenit o etapă semnificativă în dezvoltarea producției de camere. În 1955, a fost patentată o cameră cutie care putea fi pusă în geanta unei femei sau în geanta medicului. Pentru poliție, englezul T. Bolas a dezvoltat în 1981 două camere „detective” de mână (una dintre ele în formă de carte), care a făcut posibilă realizarea de instantanee. Camerele „detective” au primit aspectul unei pungi, binoclu sau ceasuri.
În 1890–1950 Camerele numite camere cutie au devenit larg răspândite. Printre acestea, un loc proeminent îl ocupă aparatul foto Kodak (1888), care a marcat începutul unei noi etape în tehnologia fotografică. Camera a oferit filmarea a 100 de cadre pe film cu baza de hartie. După expunere, prelucrarea filmului, imprimarea și reîncărcarea camerei au fost efectuate de către specialiștii companiei („photo finishers”). Instrucțiunile pentru cameră spuneau: „...Acum fotografia este posibilă pentru toată lumea. Apăsați butonul, noi ne ocupăm de restul.” Apariție în anii 1890 materiale fotografice cu sensibilitate ridicată la lumină, introducerea filmului bobină la bobină cu hârtie de protecție împotriva luminii a dat impuls dezvoltării ulterioare a echipamentelor fotografice, însoțită de o tranziție de la camere cu casete relativ grele și voluminoase la camere mai ușoare și miniaturale, pliabile de buzunar cu blană ondulată. Cea mai faimoasă și mai avansată din punct de vedere tehnic a fost familia de camere de tip Ikonta (Germania), prima dintre care a fost fabricată în 1929.
În 1912, americanul J. Smith a realizat o cameră de format mic cu o dimensiune a cadrului de 24x36 mm pentru film de 35 mm. Apoi camere de acest tip au fost lansate în Franța (Homeos-3, 1913), Germania (Minograph, 1915) și altele. Cu toate acestea, ele nu au avut un impact vizibil asupra dezvoltării echipamentelor fotografice. În 1913, O. Barnack, inginer proiectant pentru compania germană E. Leitz, a realizat primul prototip de cameră de format mic, numită mai târziu „Pra-Leika”. În 1925, a fost fabricat primul lot (1000 buc.) de camere Leika-1 de format mic, cu obturator cu distanță focală, viteze de expunere de la 1/20 la 1/500 s și un obiectiv Elmax 3,5/50. Datorită producției sale de precizie și aspectului original, această cameră a deschis o nouă etapă în fabricarea camerei și fotografie.
Dezvoltarea echipamentelor fotografice a condus la crearea unor camere miniaturale (prima dezvoltare a fost aparatul foto Minox de la Riga V. Zappa, 1935), aparate foto cu film de disc (brevet D. Dilks, 1926), aparate foto pentru fotografia tehnică în industrie și știință (familia de dispozitive Tekhnika " a companiei germane "Linhof" și dispozitive "Sinar" a companiei elvețiene cu același nume).
Folosit pe scară largă în a doua jumătate a secolului XX. materialele fotografice color, precum și alb-negru cu rezoluție crescută, dar mai puțină latitudine fotografică, au necesitat producția în masă a camerelor cu dispozitive de automatizare pentru controlul procesului de fotografiere. Producția unui astfel de echipament a început în a doua jumătate a anilor 1950. După apariția camerelor cu control semi-automat („Agfa Siletta SL”, 1956) și viteza de declanșare automată („Agfa Avtomatik 66”, 1956), au fost propuse modele care aveau măsurare internă a expunerii, măsurarea spotului („Pentax Spotmatic” , 1960), și măsurarea locală a luminii („Leykaflex”, 1965), măsurarea luminozității la deschiderea de lucru („Asahi Pentax SP”, 1964), sistem dinamic. controlul expunerii TTLDM („Olympus OM-2”, 1969).
Primele fotografii au necesitat timp de expunere semnificativ, uneori de până la câteva ore. În 1839–1840 L. Ibbetson, care a folosit un dispozitiv care folosea efectul de strălucire al varului într-o flacără de hidrogen-oxigen (lumina Drummond), a reușit să obțină un dagherotip al unei bucăți de coral în 5 minute, ceea ce a necesitat o expunere de peste 25 de minute când fotografiat la soare. În 1854, în Franța, Gaudin și Delamare au brevetat un scânteietor ca sursă de lumină. Amestecul inflamabil constă din sulf, azotat de potasiu și antimoniu. A durat doar 2-3 secunde pentru a obține portretul. Prima încercare de succes de a folosi lumina electrică în fotografie a fost făcută de F. Talbot, care a folosit o descărcare de borcan Leyden pentru a fotografia un obiect care se mișcă rapid (1851). Studiouri foto cu iluminat electric au apărut în Anglia (1877), Franța (1879) și Germania (1882). Utilizarea luminii actinice strălucitoare emisă de arderea firului de magneziu a fost stăpânită de R. Bunsen și G. Roskow (1859). Primul portret din viață folosind această sursă a fost realizat de A. Brothers în 1864. Conceptul de „flash” a devenit larg răspândit în 1886, când pulberea de magneziu a fost folosită în amestec cu alte componente care creșteau intensitatea luminii și scurtau perioada de ardere. . În 1893, Schaufer a dezvoltat o lampă de magneziu cu aprindere electrică, care era o bilă de sticlă cu sârmă de magneziu umplută cu oxigen. Dezavantajul său a fost posibilitatea distrugerii cilindrului ca urmare a expansiunii oxigenului la temperaturi ridicate. Designul este modern. lămpile bliț sigure au fost dezvoltate în Germania de J. Ostermeier în 1929, în care cilindrul a fost umplut cu folie de aluminiu.
În 1932, americanul G. Edgerton a propus folosirea unei lămpi electronice reutilizabile pentru bliț în fotografie. În 1939, el a realizat un bliț bazat pe un tub de xenon și a dezvoltat o metodă de aprindere a unei lămpi bliț de la obturatorul camerei, care a devenit apoi larg răspândită. Blițul Mekablitz 100 cu un convertor DC tranzistor lansat de P. Metz a marcat începutul producției de lămpi electronice cu blitz (1958). Căutarea unui control suplimentar al procesului de filmare a dus la apariția unei lămpi bliț automate coordonate (Canon Speedlight 155A pentru camera Canon AE-1, 1976), care, atunci când este instalată într-un suport, a fost conectată funcțional la cameră prin intermediul suplimentar contacte de control.

2. Maeștri în fotografie

În perioada sa de formare (1839–1840), fotografia a fost văzută doar ca un mijloc de a obține copii exacte ale originalului. Reprezentanții artelor plastice au abordat în mod ambiguu mijloacele „tehnice” de captare a imaginilor. Fotografia timpurie a imitat tehnicile de pictură în genurile sale tradiționale de portret, peisaj și natură moartă. Rezultate artistice înalte și excelență în genul portretului fotografic au fost obținute de D. Hill, J.M. Cameron (Marea Britanie), Nadar, A.I. Denyer, S.L. Levitsky, A.O. Karelin (Rusia), etc.
D. Hill (1802–1870), numit „părintele fotografiei artistice”, a fost primul care a arătat capacitățile specifice ale artei fotografice, creând imagini fotografice documentare adevărate.
J. Cameron (1815–1879) – reprezentant al mișcării romantice, autor de minunate portrete.
Cea mai semnificativă realizare a lui Nadar (1820–1910) a fost galeria de portrete a contemporanilor săi celebri - compozitori, artiști, scriitori și alte figuri proeminente.
A.M. Denyer (1820–1892), S.L. Levitsky (1819–1898), după ce a adoptat abilitatea de a analiza individualitatea umană din pictură, a făcut un pas important spre studiul diferitelor efecte de filmare (iluminare etc.) pentru transmiterea fiabilă a trăsăturilor de personalitate documentate ale persoanei portretizate.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Progresele tehnice și științifice din domeniul fotografiei au dus la apariția unor noi tehnici care sunt unice pentru fotografie. Unul dintre inovatori a fost maestrul englez O. Reilander (1813–1875), care a montat compoziția alegorică „Doi drumul vietii„(1856) din 30 de negative.
Scriitorul englez L. Carroll (autorul cărții Alice în Țara Minunilor) a fost recunoscut drept cel mai bun maestru al portretelor fotografice pentru copii.
Din anii 1860 Tehnica fotografiei în aer liber s-a răspândit. Până în anii 1920 s-a dezvoltat în spiritul imitaţiei unui peisaj pitoresc: R. Lamar (Franţa), L. Misson (Belgia), A. Keighley (Marea Britanie) etc.
Fotografia naturală etnografică din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. și-a stabilit scopul unei înregistrări fiabile a vieții oamenilor. În aceeași perioadă a apărut fotografia de reportaj, de exemplu, R. Fenton a fotografiat episoade de pe fronturile războiului din Crimeea din 1853–1856, M.B. Brady, A. Gardner – război civilîn SUA 1861–1865, A.I. Ivanov, D.N. Nikitin, M.V. Revensky - război ruso-turc 1877–1878 Invenția și apoi îmbunătățirea obturatorului cu fantă cortină au făcut posibilă fotografiarea obiectelor în mișcare, ceea ce a dat impuls dezvoltării ulterioare a fotografiei de reportaj.
La începutul secolului al XX-lea. În lucrările fotografilor, influența diferitelor tendințe în pictură este încă vizibilă. În același timp, a existat un interes din ce în ce mai mare pentru fotografie în interpretarea formelor lumii reale. Lucrările reprezentanților acestei mișcări (așa-numita avangardă foto) combină jocul de forme, linii pretențioase, tranziții ușor-tonale, construcții de perspectivă nerealiste și compoziții neobiective. Fotografii au fotografiat tencuieli vechi, crăpături în asfalt etc., schimbând scara și textura dincolo de recunoaștere, creând compoziții în spiritul artei abstracte. Căutările pe calea avangardei nu au fost întotdeauna inutile, au dus la dezvoltarea propriilor mijloace specifice de exprimare în fotografie, cum ar fi, de exemplu, utilizarea unghiurilor, a prim-planurilor și a compozițiilor cu mai multe fațete. În același timp, s-au format principiile deciziilor artistice, bazate pe esența documentară a fotografiei. Puterea jurnalistică a artei fotografice a fost dezvăluită în multe genuri.
Reportajele de război au avut o influență semnificativă asupra îndreptării fotografiei către formele documentare și a ascensiunii fotojurnalismului umanist.

3. Fotografi ruși

Grekov a deschis un „birou de artă” la Sankt Petersburg, iar în 1841 a publicat o broșură la Moscova „Un pictor fără pensulă și fără vopsele, luând tot felul de imagini, portrete, peisaje etc. în lumina lor reală și cu toate umbrele în câteva minute.” În anii 1840. Și-a început munca celebrul fotograf rus S.L. Levitsky. Fotografia de grup pe care a făcut-o scriitorilor ruși este deosebit de bună. În 1849, fotograful a deschis un atelier de dagherotip „Svetopis” în Sankt Petersburg, iar în 1859 - un atelier la Paris, care a devenit unul dintre cele mai bune saloane pentru realizarea portretelor în Europa. A primit în repetate rânduri premii la expoziții internaționale. S.L. Levitsky a fost câștigătorul unei medalii de aur acordate pentru lucrările fotografice la Expoziția Mondială de la Paris (1851). În anii 1850 A.I. Denyer (1820–1892) a fost absolvent al Academiei de Arte, care a deschis „Dagherotipul Artistului Denyer” la Sankt Petersburg (1851) și a publicat un album cu portrete fotografice ale unor oameni celebri din Rusia, care includea imagini ale celebri călători ruși, oameni de știință, medici, artiști și scriitori. Ultimul reprezentant proeminent al primilor fotografi ruși a fost un alt absolvent al Academiei de Arte, V.A. Carrick (c. 1827–1878). Este cunoscut pentru genul său și pentru fotografiile de vizionare a țăranilor din regiunile din Rusia Centrală. Colecțiile V.A. Lucrările lui Carrick au fost expuse (în afara competiției) la expoziții internaționale din Londra și Paris. În 1876, maestrului a primit titlul de fotograf la Academia de Arte.

4. Tipuri de fotografie

Fotografie alb-negru
Fotografiile negative alb-negru au o sensibilitate diferită la culoare față de vederea umană. Dacă, de exemplu, obiecte de culoare violet și galben sunt fotografiate pe un film negativ nesensibilizat, atunci sub influența razelor violete imaginea devine neagră, iar sub influența razelor galbene nu apare și rămâne transparentă. Când imprimați un pozitiv (pe hârtie foto) Violet va fi reprodus în alb, iar galben - în negru, adică luminozitatea obiectului va fi distorsionată la transmiterea tonurilor în fotografia alb-negru.

Fotografie color
Spre deosebire de fotografia alb-negru, fotografia color acoperă metode de obținere a imaginilor în care luminozitatea și caracteristicile culorii subiectul fotografiat este reprodus în culori apropiate de naturale. Dezvoltarea materialelor fotografice cu trei straturi a făcut posibilă rezolvarea problemei obținerii de imagini color de înaltă calitate atât pe film, cât și pe hârtie fotografică. Baza este posibilitatea de a obține toate culorile prin adăugarea de fluxuri de lumină a trei culori primare (roșu, verde, albastru), sau prin scăderea fluxurilor de lumină din alb folosind straturi care absorb selectiv lumina. Una dintre cele mai comune metode de fotografiere color a fost metoda de obținere a unei imagini color pe materiale fotografice multistrat.

Fotografie cu halogenură de argint
Acest tip de fotografie se bazează pe utilizarea materialelor fotografice: film, plăci fotografice și hârtie fotografică. Metoda este foarte scumpa!!!

Fotografie fără argint
Caracteristici ale materialelor fără argint: fotosensibilitate scăzută, transmite prost semitonuri și au imagini „zgomotoase”; Este imposibil sau dificil să obțineți imagini color cu ele. Materialele fotografice fără argint sunt folosite pentru microfilmare, copiere și duplicare a documentelor, afișare de informații etc.

Fotografia cu avionul
Arsenalul mijloacelor vizuale tradiționale ale fotografiei și obiectivitatea documentelor fotografice sunt limitate de bidimensionalitatea imaginilor fotografice. Fotografia alb-negru și color, electrografia și înregistrarea video sunt tipuri plane de fotografie și nu permit imaginea unui obiect tridimensional, așa cum îl vede ochiul. Absența unei a treia dimensiuni în aceste imagini fotografice se datorează proprietăților luminii obișnuite (incoerente), care este folosită în practica fotografiei.

Fotografie stereoscopică
Fotografia stereoscopică acoperă metode de obținere a imaginilor fotografice, atunci când sunt vizualizate, se creează o senzație a volumului acestora (stereoscopicitatea). Diferența dintre o imagine stereoscopică și una obișnuită este că o imagine stereo este formată din două imagini conjugate (minimum) Imaginile conjugate sunt cele obținute prin fotografiarea aceluiași obiect din punctele corespunzătoare locației ochilor, adică luate la aceeași scară. , cu aceeași luminozitate și conectate printr-o singură perspectivă.

Holografie
O imagine care este practic adecvată obiectului fotografiat se obține cu ajutorul holografiei - un mod special de înregistrare a oricărei informații folosind câmpuri de undă coerente. Spre deosebire de fotografia convențională, în holografie, în stratul fotosensibil, nu este înregistrată imaginea optică a obiectului fotografiat care caracterizează distribuția luminozității detaliilor acestuia, ci un model de interferență subtil și complex al frontului de undă al obiectului holografic. , care conține informații complete despre acesta. Spre deosebire de alte tipuri de fotografie, o hologramă transmite relații spațiale cu o acuratețe uimitoare: diferite grade de distanță a obiectelor individuale față de observator, unghiul și unghiul lor. dimensiuni liniare, locație relativă în spațiu; face posibilă vizualizarea imaginilor din unghiuri diferite și obținerea iluziei complete a obiectelor care sunt efectiv vizualizate.

5. Genuri fotografice

Dezvoltarea și formarea genurilor fotografice a urmat căi similare celorlalte tipuri de creativitate artistică și și-au folosit tradițiile. Ca și în artele plastice în general, genurile din fotografie sunt determinate de subiectul imaginii și includ natura moartă, peisaj, portret și fotografie de gen (scene de zi cu zi, situații).

Natură moartă (din franceză nature morte, literalmente - natură moartă) - o imagine a obiectelor de uz casnic neînsuflețite, atribute ale oricărei activități, flori, fructe.
Genul naturii moarte a început să prindă contur imediat odată cu apariția fotografiei.
Stăpânirea de către fotografie a propriilor sale mijloace vizuale specifice, diferite de pictură, a afectat și înțelegerea naturii moarte. Gama de obiecte și motive ale naturii moarte s-a extins, iar realitatea cotidiană din jurul artistului a pătruns din ce în ce mai mult în ea. Elemente de alte genuri au apărut în subiectele de natură moartă.
Natura moartă și-a găsit un loc demn în munca multor reprezentanți ai fotografiei mondiale.

Decor (franceză paysage, din pays - țară, localitate) - un gen în care obiectul imaginii este natura.
Genul peisajului, precum natura moartă, a început să prindă contur încă de la nașterea fotografiei.
Pentru a crea lucrări extrem de artistice în genul peisajului, este important să înțelegeți clar particularitățile percepției unui peisaj fotografic. După cum știți, noi percepem natura vie cu simțuri diferite, dar în principal prin viziune. Vederea este binoculară și incomparabilă cu vederea fotografică nici în ceea ce privește acoperirea, nici în gama percepută de luminozitate, nici în reproducerea culorilor.
Când fotografiați peisaje, una dintre cele mai importante sarcini este de a transmite spațiul în mod convingător. În natură o vedem ca fiind continuă.
În fiecare peisaj există întotdeauna un element comun, schimbător, care are o putere excepțională asupra emoțiilor noastre: acesta este cerul. Întreaga experiență peisagistică mondială demonstrează că un pictor peisagist trebuie să fotografieze cerul și... orice altceva.
Când nu sunt puse accente de luminozitate, micile detalii ies prea mult în evidență.
Culoarea hârtiei utilizate este de mare importanță în fotografia monocromă. Ne poate întări sau inhiba asociațiile.
Peisajul fotografic amator de astăzi suferă adesea de convenționalitatea nejustificată a imaginii, iar atributele moderne, înfipte în natură, îi distrug complet originea spirituală. Această contradicție poate sta însă la baza poveștilor de mediu care nu pot lăsa oamenii noștri contemporani indiferenți.
Adesea, un peisaj arhitectural, mai ales cu distrugerea necugetată sau distrugerea naturală a monumentelor, poate dobândi valoarea unui document istoric. Ecologia culturii este o temă foarte actuală și extrem de importantă pentru un fotograf, care ar trebui, aparent, să fie abordată în niște forme noi, extravagante.
Interesante sunt și peisajele foto care includ organic o persoană în toată diversitatea manifestărilor sale personale.
Genul peisajului este de mare importanță pentru autoeducația vizuală. În vremurile recente, când reprezentarea naturii în pictură era foarte apreciată, pregătirea schițelor și studiul pictural al naturii erau o chestiune de la sine înțeles chiar și pentru marii maeștri. Acest lucru este necesar în special pentru fotografi fără educație, tradiție sau școală. Ar fi naiv să credem că numai tehnologia poate face ca o pădure să arate ca o pădure sau ploaia ca ploaia. Natura trebuie studiată fotografic în mod constant și toate stările posibile trebuie „traversate” folosind natura accesibilă, realizând reproducerea lor vizuală într-un mod pozitiv. Apoi subiectele unice prețuite, în general rare în practica unui fotograf, vor deveni mai accesibile și mai frecvente. Atitudinea față de natură, din cauza amenințării distrugerii acesteia, precum și atitudinea față de monumentele culturale, se schimbă astăzi. Aceasta este condiția prealabilă pentru o nouă renaștere a genului peisagistic, în care fotografia a creat valori artistice ca nimeni altul.
Portret a fost întotdeauna unul dintre tipurile populare de artă plastică, iar în epoca prefotografică, scrisă de mâna artistului, era în general singura modalitate de a capta aspectul unei persoane și de a-l păstra în memoria posterității. Odată cu apariția dagherotipului, a devenit mai accesibilă, iar fotografia în genul portretului a devenit imediat foarte populară, îndrăznind să concureze și, într-o anumită măsură, cu succes, cu pictura (deși a primit o poreclă disprețuitoare de la artiști - „pictură pentru săraci". ”).
Dacă vorbim despre dezvoltarea genului portret fotografic în ansamblu, atunci două calități - profunzimea înțelegerii esenței caracterului uman, pe de o parte, și dorința de cea mai mare fiabilitate a detaliilor recreate în fotografie, pe de altă parte – sunt fundamentale, inerente întregii istorii a fotografiei.
Varietățile acestui gen sunt larg reprezentate în fotografia de studio. M. Sherling a fost un susținător al portretului expresiv: în fotografiile sale oamenii au fost reprezentați cel mai adesea în mișcări interne violente. Nu întâmplător acest maestru i-a ales ca modele pe cei care erau înzestrați în mod natural cu un temperament puternic.
A. Shterenberg s-a impus ca portretist liric. Folosind gama de lumină, a preferat ultra-prim-planuri în fotografii: în ele vedem în cele mai multe cazuri doar capul persoanei. Ochii joacă un rol deosebit în aceste portrete.

Portret de reportaj . (eveniment, sărbători, nunți)
Portretul de studio reprezintă astăzi jumătate din gen. Cealaltă jumătate este dată portretelor de reportaj, care fac parte din fotografia documentară. În genuri atât de populare de fotojurnalism, cum ar fi eseurile, serialele, reportajele, fotografiile portret ale participanților la evenimente din viața reală se găsesc din ce în ce mai mult. Spre deosebire de lucrările de studio, în care autorul are posibilitatea de a transforma serios datele externe ale unei persoane folosind mijloace fotografice, aici există un început documentar puternic.
etc.................

Astăzi toată lumea înțelege că fotografia, care reflectă viziunea creativă a fotografului, este un subiect de artă. Cu toate acestea, atunci când s-a născut fotografia, se credea că numai lucrările realizate manual pot fi clasificate ca artă.

Prin urmare, imprimeurile fotografice care au fost create prin metode fizice și chimice nu au putut fi acceptate de public ca obiecte de artă.

Fotografia ca artă nu s-a încadrat în sistemul de valori și vederi sociale timp de multe decenii, în ciuda faptului că deja primii fotografi au schimbat compoziția imaginii pentru a obține valoare artistică. Au existat multe dezbateri despre dacă pictura și fotografia pot fi comparate? Sau poate fotografia este un tip de pictură care dispare, în care tehnologia înlocuiește opera artistului? Cu toate acestea, aceste două tipuri de artă nu trebuie comparate, deoarece au interacționat între ele.

Apariția fotografiei a eliberat pictura de funcția de a capta o imagine reală. Și acest lucru a contribuit la dezvoltarea picturii în direcții noi, cu caracteristicile sale unice. Pictura a dat fotografiei concepte precum colorarea, compoziția, culoarea, unghiul, perspectiva și chiar viziunea obiectelor „în cadru” a venit din arta picturii.

Pentru a obține o imagine realistă nu mai necesită muncă umană datorită apariției tehnologiei fotografice. Fotografia servește nu numai pentru a surprinde realitatea atunci când fotografiază, o persoană își poate exprima atitudinea față de un obiect sau o situație, folosind tehnici tehnice de setare a luminii, alegerea unui unghi și capacitatea de a alege momentul potrivit.

Atitudinea fotografilor față de situațiile pe care le filmează influențează care va fi efectul vizionării imaginii Fotografia ca formă de artă se manifestă și în momente precum alegerea stilului artistic al viitoarei fotografii, genul, culoarea. , etc. Dorința de a face fotografiile mai realiste a fost cea care a dat impuls creării fotografiei color. Și aici se observă influența picturii, alegerea culorilor a influențat sensul tablourilor pictate.

Acest lucru duce la regulile de utilizare a culorii în fotografii:

Faceți fotografii color numai atunci când fără culoare se pierde sensul fotografiei rezultate.
Are culori sensuri simbolice, acumulate de cultură, iar aceasta poate fi folosită cu succes în fotografie.
Culorile contrastante pot fi folosite pentru a contrasta mai mult sensul unei fotografii.

Stilul într-o lucrare fotografică depinde de natura și puterea abaterii de la fotografia naturalistă, „reflexivă”, desigur, fotografia artistică nu poate exista fără un fotograf. Un fotograf trebuie să aibă o „viziune” specială asupra lumii. Nu toate fotografiile pot fi opere de artă de succes. Prin urmare, fotograful trebuie să-și antreneze tehnica și, de asemenea, să aibă o idee clară despre atitudinea lui față de diverse obiecte filmarea lui.

Pentru a fotografia, fotograful trebuie să învețe să surprindă esența, caracterul trăsături distinctive modele care îi vor dezvălui lumea interioară în fotografie.

Prima imagine fixă a fost realizată în anul de către francezul Joseph Nicéphore Niepce, dar nu a supraviețuit până în zilele noastre. Prin urmare, prima fotografie din istorie este considerată a fi fotografia „privire de la fereastră” realizată de Niepce în 1826 folosind o placă de tablă acoperită cu un strat subțire de asfalt. a durat opt ore în lumină puternică lumina soarelui. Avantajul metodei lui Niépce a fost că imaginea s-a dovedit a fi în relief (după gravarea asfaltului) și putea fi reprodusă cu ușurință în orice număr de copii.

Artiștii au răspuns la inventarea fotografiei în moduri diferite. Principala piatră de poticnire în dezbaterea despre natura artistică a fotografiei și rolul fotografului ca artist, creator al unei opere de artă, a fost acuratețea extraordinară în transmiterea detaliilor, acuratețe cu care cel mai priceput pictor nu putea concura. Unii au salutat cu entuziasm pictura în lumină, alții, dimpotrivă, au văzut în cameră un obiect care înregistrează fără pasiune realitatea fără nicio aplicare a mâinilor omului. Dar, la începutul existenței sale, fotografia nu se pretindea a fi o operă de artă, iar până la sfârșitul anilor 1840 a fost imposibil să se vorbească despre creativitate fotografică intenționată.

3. Fotografia structurilor arhitecturale

Acesta este un gen de fotografie care înfățișează clădiri și complexele acestora, poduri etc. De regulă, scopul este de a obține o fotografie documentară care să creeze ideea necesară de aspect a obiectului fotografiat sau a părţilor acestuia Când cea mai mare valoare are o alegere a punctului de fotografiere în funcție de înălțime, distanță și unghi de fotografiere. Aceasta este ceea ce determină compoziția generală a cadrului, perspectiva și raportul dintre planuri. In mediile urbane, in lipsa unui spatiu suficient, alegerea este mult facilitata de utilizarea unui obiectiv cu unghi larg sau ultra-larg.

5. Sporturi de fotografiere și obiecte în mișcare

Particularitatea unor astfel de fotografii este viteza de mișcare. Este important să se arate dinamica mișcărilor. Sporturile sunt fotografiate doar cu viteze scurte de expunere - nu mai mult de 1/100 de secunde și adesea 1/500 - 1/1000 de secunde. Pentru o astfel de fotografie, sunt necesare camere echipate cu obturatoare de mare viteză și obiective rapide.

6. Fotografierea copiilor

Există mici asemănări între fotografiarea copiilor și sportul. Aceasta este rapiditatea. Copiii nu stau nemișcați, deci cel mai mult calea ușoară este să fotografiați copiii făcând ceva (vizionarea unei piese de teatru, ascultarea unui basm, jocul). În aceste momente, copiii nu își concentrează atenția asupra „lucrurii” interesante de neînțeles din apropierea feței tale, ei sunt absorbiți. Acesta este doar o comoară de expresii interesante! :)

7. Și în sfârșit - filmări de reportaj

Aceasta este așa-numita metodă de filmare a unui eveniment fără a interfera cu el. istoria naturala. este o serie de fotografii realizate în timpul unui eveniment când fotograful este limitat de timp și de scenariul a ceea ce se întâmplă. Astfel, reportajul plasează fotograful într-un anumit interval de timp și scenariu. Metoda de filmare de reportaj exclude regia, deși în unele situații fotograful poate provoca ușor oamenii sau situația. Dar acest lucru se întâmplă rar - arta reportajului constă în a, fără a dirija o fotografie, a o filma improvizat, în cursul acțiunii, găsind cu exactitate punctul, planul, momentul.
După părerea mea, fotografia ideală a acestui gen este una care ar putea ilustra un subiect din știri în secțiunea „fără comentarii”. Fotografia ar trebui să vorbească de la sine.

Fotografii

Oamenii care fac fotografii artistice sunt numiți artiști foto.
El, spre deosebire de doar un fotograf, plătește Atentie speciala mijloace speciale Oamenii care produc fotografii artistice sunt numiți artiști foto.
El, spre deosebire de doar un fotograf, acordă o atenție deosebită mijloacelor speciale de producție, aplică anumite tehnici tehnice (alegerea luminii, tehnici de compoziție, optica de efect, procesare post-producție etc.).

Deci - iluminare

Fotografii știu că, dacă sursa de lumină se află în spatele ei, fotografia va ieși plată. Ideal, să zicem, pentru peisaje - lumină din lateral (spate sau față).
Dacă vorbim despre timpii de filmare, atunci ideal, desigur, este seara și dimineața. În acest moment, lumina este mai moale și mai difuză. Când soarele este la zenit, temperatura culorii este vizibil mai ridicată, iar culorile albastru și albastru predomină în spectrul său. tonuri de albastru; în lumina dimineața și seara, așa cum am menționat mai sus, sunt galbene și portocalii, iar în umbră, de la albastru la albastru.

Kurichev Andrei

Lucrarea de cercetare educațională a fost scrisă ca parte a unui studiu suplimentar artă contemporană. Subiectul este foarte interesant pentru această vârstă. Studentul a încercat să exploreze la propriul său nivel istoria apariției unei forme de artă plastică precum „fotografie”. Adolescentul răspunde la întrebări precum „Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv? Fotografia este artă? Și de ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?” Elevul și-a prezentat proiectul, precum și rezultatele interesante ale unui studiu asupra adolescenților pe această temă și s-a făcut o analiză.

Lucrarea este ușor de citit și interesantă, materialul este structurat și prezentat logic. Elevul a subliniat relevanța temei și a stabilit în mod clar scopurile și obiectivele studiului.

Principal puncte pozitive lucrarile sunt:

O privire asupra fotografiei ca formă de artă plastică din punctul de vedere al unui adolescent.
Elevii dobândesc cunoștințele necesare cu privire la problemele care îi interesează, își dezvoltă propria gândire și se autoperfecționează în continuare.

Descarca:

Previzualizare:

Instituție de învățământ bugetar municipal

in medie şcoală cuprinzătoare nr 10 Pavlovo

Departamentul - Științe Umaniste

Sectiunea - istoria artei

Lucrarea a fost finalizată de:

Kurichev Andrey, 15 ani

elev de clasa a 9-a „B”

Conducător științific: Shitova Olga Konstantinovna,

Profesor de cultura artistică mondială

Pavlovo

februarie 2015

Întreținere………………………………………………………………………………..3
Partea principală……………………………………………………….4-12

„Fotografia este artă?”

Nașterea și semnificația fotografiei………………………………………. ….4-6
Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?…………………………………………….. …………7-8
Fotografia este artă? Și de ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?................................... ................. ......…….8-9
Cercetare……………………………………………………10-12

Concluzie. Concluzii…………………………………………………………………..12
Literatură……………………………………………………………………………………….13

Introducere

În zilele noastre totul există de dragul

pentru a termina cu o fotografie.

Fotografia mumifică timpul.

Henri Bazin

Cred că spre deosebire de artele tradiționale fotografie Are uz practic. Este util în multe domenii ale vieții umane: în știință, în proces educațional, în criminalistică (fotografie scene crimei, probe lăsate în urmă etc.), în afaceri de publicitate, în identificare, în design etc. Și dacă este așa, atunciFotografia este artă?

Ţintă:

Aflați dacă fotografia este o formă de artă?

Sarcini:

Aflați povestea nașterii și semnificația fotografiei.
Aflați dacă fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?
Aflați de ce, după apariția fotografiei, arta plastică nu a încetat să existe?

Ipoteza mea:

Fotografia este un concept mai larg decât arta fotografică: nu tot ceea ce este filmat cu o cameră (precum o cameră de film) va fi artă.

Metode de cercetare

2. Partea principală

2.1. Nașterea și sensul fotografiei

Cuvântul „fotografie” este tradus din greacă ca „pictură în lumină”. Ușoară - elementul principal crearea unei imagini în fotografie. Originile tehnicii fotografice se află într-un fenomen optic cunoscut încă din antichitate: dacă o cameră obscura (lat. " o cameră întunecată") o rază de lumină lovește, pe peretele opus va apărea o imagine inversată a obiectelor iluminate situate sub cameră.

Prima persoană care a capturat o imagine reală a fost Nicéphore Niepce. Acest lucru s-a întâmplat în anii 20 ai secolului al XIX-lea. La câțiva ani după experimente. Acest lucru s-a întâmplat în anii 20 ai secolului al XIX-lea. La câțiva ani după experimentele lui Niépce, Louis Jacques Daguerre a obținut o imagine fotografică folosind o placă subțire de cupru acoperită cu un strat de argint într-o casetă. Aceste plăci se numesc dagherotipuri. În 1839, Academia Franceză de Științe a recunoscut meritele lui Daguerre și a făcut din descoperirea savantului francez proprietatea omenirii.

1839 este anul oficial al nașterii fotografiei.

Dagherotipurile erau copii unice, adică nu se puteau face copii din ele, iar fotografia, după cum se știe, este împărțită în două operații - obținerea unui negativ și realizarea unui pozitiv. Metoda de obținere a unui negativ a fost descoperită de Fox Tabol în 1840.

Multe s-au schimbat de atunci: a apărut filmul fotografic, s-au dezvoltat tehnologii de producere a fotografiei color și nu cu mult timp în urmă a apărut imprimarea digitală, bazată pe tehnologia electronică care transformă o imagine optică într-un semnal electric.

Nașterea fotografiei nu poate fi explicată doar prin dezvoltarea tehnologiei.

Anii 30-40 ai secolului al XIX-lea marchează nașterea unei astfel de mișcări în artă ca realismul critic. Unul dintre postulatele realismului poate fi formulat astfel: orice principiu uman este absolut. Prezența fiecărei persoane cu propria fotografie (chiar dacă doar în pașaport) demonstrează că fiecare dintre noi este egal unul cu celălalt în faptul vieții. Fotografia ne afirmă implicarea în viață și eternitate.

În operele de realism, viața umană este privită într-un context istoric (eroul este întotdeauna dat în raport cu epoca).

Atenție la viața de zi cu zi, detalii - toate acestea caracterizează atât munca realistă, cât și fotografia.

Fotografia este păstrătorul trecutului: studiem epoci istorice, viata de familie etc. din fotografii. R. Arnheim a formulat proprietățile generice ale fotografiei astfel: „Inextricabil legată de natura fizică a peisajului și a așezărilor umane, de animale și de oameni, de isprăvile, suferințele și bucuriile noastre, fotografia are privilegiul de a ajuta oamenii să se studieze pe ei înșiși. Extindeți și păstrați-vă experiența, faceți schimb de mesaje vitale...” (Arnheim R. Noi eseuri despre psihologia artei. - M., 1994, p. 132).

2.2. Fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv?

Studiu surse diferite, am aflat că oamenii de știință au opinii diferite asupra potențialului realist al fotografiei. De exemplu, omul de știință francez A. Bazin a susținut că o imagine fotografică a unui obiect „este obiectul însuși”. Fotografia, în opinia cercetătorului, este obiectivă, întrucât „între un obiect și imaginea lui nu stă nimic în picioare decât un alt obiect... Toate artele se bazează pe prezența unei persoane și doar în fotografie ne putem bucura de absența lui. Fotografia ne afectează ca un fenomen „natural”, ca o floare sau un cristal de zăpadă...” (Bazin A. Ce este cinematograful? - M., 1972. - p. 44). Posibilitățile estetice ale fotografiei stau în dezvăluirea realului, care apare direct fără intermediari verbali sau artificiali. Obiectivul camerei „eliberează subiectul de ideile și prejudecățile obișnuite”, iar cinematograful „apare în fața noastră ca desăvârșire a obiectivității fotografice în dimensiunea temporală... Pentru prima dată, imaginea lucrurilor devine și o imagine a existenței lor în timpul...” (Bazin A., p.45).

Există și punctul de vedere opus. „Știm cu toții”, scrie Yu.M. Lotman, cât de diferite și de distorsionate pot fi fotografiile. Cu cât cunoaștem mai aproape o persoană, cu atât găsim mai multe diferențe în fotografii. Pentru fiecare persoană a cărei față ne este cu adevărat familiară, vom prefera un portret al unui artist bun unei fotografii de aceeași îndemânare. În ea vom găsi mai multe asemănări. Dar dacă ni se prezintă un portret și o fotografie a unei persoane necunoscute nouă și ni se cere să le alegem pe cele mai de încredere, nu vom ezita să ne oprim la fotografie, așa este farmecul naturii „documentare” a acestui tip de text. ” (Yu.M. Lotman. Despre art. - Sankt Petersburg, 2000. - p. 297).

Concluzii: Acest sondaj ne face să înțelegem că majoritatea (66,7%) consideră că fotografia reflectă realitatea în mod obiectiv, iar restul

(33,3%) nu cred.

2.3. Fotografia este artă? Și de ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?

Multe fotografii sunt ocazionale, de zi cu zi sau, mai precis, inexpresive, non-artistice, adică sunt o simplă „copie a realității”. Desigur, în fotografiile noastre de acasă (destul de zi cu zi), obiectul imaginii va fi cel mai interesant pentru noi: noi înșine, cei dragi, cei dragi, prietenii etc. Vor fi astfel de fotografii artă? Pentru noi – fără îndoială: câte emoții și amintiri trezesc. Și pentru alți oameni, străini pentru noi, va fi de interes obiectul înfățișat în fotografia noastră? Aici e mai greu.

Ce condiții sunt necesare pentru ca o „copie luată din realitate” să devină artă? Aparent, la fel ca pentru toate celelalte arte. „Arta... este singura activitate care îndeplinește sarcina de a descoperi, exprima și comunica sensul personal al activității, realității” (Leontiev A.N. Lucrări psihologice selectate. - M., 1983. - p. 237).

Asemenea maeștri remarcabili ai secolului al XX-lea precum A. Regener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholy-Nagy, Mann Ray și alții au făcut din fotografia o artă.

Am facut un experiment cu prietenul meu:I-am pus două fotografii în fața.

Privind la ele, prietenul meu, bazându-se pe sentimentul său intuitiv, l-a identificat pe unul drept „artistic”, iar celălalt drept „non-artistic”. La întrebarea mea: „De ce a ajuns la concluzia asta?” - a urmat un răspuns oarecum vag: „Ei bine, este evident, iată doar priveliștea care era în fața camerei, dar aici s-a adăugat ceva, un fel de dispoziție, fotograful a vrut să exprime ceva, să spună singur, să transmită este, vezi tu, un fel de sentiment..."

Am încercat să exprim aceste gânduri într-un mod mai specific.

În producția de fotografie non-art, doi participanți au fost identificați ca prieteni: peisajul și camera; În producția de fotografie artistică, a numit trei participanți: peisaj, cameră, fotograf.

În primul caz, fotografia a înregistrat automat ceea ce a căzut în câmpul vizual al lentilei, în al doilea, ceva a fost adăugat peisajului real.

De fapt, iată acele trăsături care sunt de obicei evocate evidențiind trăsăturile distinctive ale artei: prezența subiectivității auctoriale, ... introducerea gândirii în obiectul reprezentat, recrearea obiectului în legătură cu înțelegerea generală a artistului asupra lumea." Adică, „devenind un fapt de artă, lumea materială este umanizată și spiritualizată, ea primește sens” (Yu. Lotman, Yu. Tsivyan, Dialogue with the Screen, - Talin, 1994. - pp. 19-20.)

Fotografând, intervenim în mediul din jurul nostru, „decupăm” din el o „bucată” de realitate care ne-a plăcut dintr-un motiv oarecare, sau pur și simplu avea nevoie, sau a coincis cu unele dintre experiențele noastre, a exprimat un fel de gând.

Desigur, fotografia ca artă are propriile sale mijloace expresive. Când privim o fotografie, acordăm atenție nu numai subiectului, ci și planului, unghiului, compoziției cadrului, luminii și culorii. Folosind-le în mod creativ, folosind una sau alta optică, film alb-negru sau color, și acum și capacitățile enorme ale computerului, putem interpreta obiectele lumii în felul nostru și cream imagini artistice complexe. Cu toate acestea, cunoașterea arsenalului de mijloace expresive nu garantează o fotografie artistică de înaltă calitate. Ca în orice artă, aveți nevoie de un fler, inspirație și gust deosebit.

Primul sondaj: De ce arta plastică nu a încetat să existe după apariția fotografiei?

Concluzii: Pe baza acestui sondaj, pot concluziona că 84% dintre respondenți cred că fotografia a devenit una dintre domeniile artei plastice, iar 16% cred că fotografia este mult mai tânără decât arta plastică și o poate înlocui în viitor.

Concluzii: 32 la sută dintre respondenți cred că pentru a deveni bun fotograf trebuie să ai echipamentul cel mai modern și de înaltă calitate, iar 64 la sută încă cred că principalul lucru nu este echipamentul, ci cine îl folosește.

Concluzii: Această problemă rămâne controversată pentru mine. Numărul de susținători și oponenți ai utilizării Photoshop în fotografie este împărțit în două tabere identice, iar această întrebare va rămâne fără răspuns pentru noi.

Concluzii: Pe baza acestui sondaj, putem aprecia că 80% dintre respondenți cred că fotografia este o artă, 4% au răspuns negativ, iar 16% nu știu răspunsul la această întrebare. Ce crezi?

Concluzie

Ipoteza mea a fost confirmată - fotografia nu este întotdeauna artă.

Oricine iubește fotografia, admiră capodoperele profesioniștilor, creează el însuși lucrări unice, de înaltă calitate și nu își propune să-și vândă creația - pentru aceasta răspunsul este evident: fotografia este artă!!! Și pentru cei care pur și simplu fac fotografii pentru ei înșiși, pentru memorie, fotografia este pur și simplu un beneficiu pentru viață, o condiție necesară.

Ei bine, cred că întrebarea dacă fotografia este artă sau nu este poate la fel de greu de găsit un răspuns ca întrebarea despre sensul existenței noastre. Unii oameni cred că dacă îți place o fotografie și îți dorești să o fi făcut, atunci este artă. Dar, după părerea mea, nu tot ce vă place este artă și, dimpotrivă, nu trebuie să vă placă întotdeauna arta. La urma urmei, frumusețea și urâțenia, binele și răul - aceste lucruri sunt inseparabile, prin urmare ar trebui să umple în mod egal arta. Dacă vedem doar frumusețe, nu o vom percepe. Răul și urâțenia sunt la fel de necesare ca și oxigenul pentru plămânii noștri. Oamenii care visează la fericire absolută se înșală cel mai probabil nu înțeleg că, dacă nu ar exista război, nu ar exista pace, că nu ar cunoaște nici un gram de fericire dacă nu ar fi experimentat durerea. Viața însăși ar fi plictisitoare și și-ar pierde orice sens. Este mult mai interesant să trăiești într-o lume plină de contrarii care fac viața unei persoane cea mai bogată și mai variată.

Literatură

Arnheim R. Noi eseuri despre psihologia artei. – M., 1994, p.132
Bazin A. Ce este cinematograful? – M., 1972. – p.44
Leontiev A.N. Lucrări psihologice alese. – M., 1983. – p. 237
Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog cu ecranul, - Talin, 1994. - p. 19-20.
http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg

Astăzi, niciunul dintre noi nu se îndoiește de faptul că fotografia artistică este o artă care reflectă viziunea creativă a fotografului ca artist. Cu toate acestea, chiar și în zorii dezvoltării fotografiei, timp de câteva decenii întrebarea acută a fost dacă fotografia poate fi clasificată drept artă sau dacă nu era pur și simplu nimic altceva decât un mijloc de înregistrare și transmitere a informațiilor despre lumea din jurul nostru.

Fotografiei a avut nevoie de mulți ani pentru a-și găsi propriul loc în lumea artei, alături de sculptură, cinema, pictură și teatru. Dar acum orice fotograf își poate exprima atitudinea față de lumea din jurul lui și de fenomene prin mijloace de fotografiere precum unghiul, culoarea sau alegerea momentului de fotografiere.

Când au apărut primele printuri fotografice, nimeni nu a luat fotografia în serios. Era considerat doar un simplu răsfăț și o joacă de copii pentru un cerc restrâns de oameni. În primii ani de la apariție, fotografia, din cauza limitărilor tehnice, nu a putut pretinde nici documentarul, nici vreo valoare artistică, nici libertatea soluțiilor de iluminare și viziunea creativă a fotografului.

În secolul al XIX-lea, s-a crezut pe scară largă că doar o lucrare făcută de om poate fi considerată artă. Prin urmare, printurile fotografice, care au fost obținute prin diferite metode fizice și chimice, pur și simplu nu puteau revendica statutul de artă. Chiar și în ciuda faptului că deja prima generație de fotografi a încercat să învioreze oarecum compoziția fotografiilor lor cu unele tehnici interesanteși abordări, cu toate acestea, fotografia a continuat să rămână un bibelou haios în ochii opiniei publice.

Fotografia a fost considerată de criticii de atunci doar ca o copie mecanică a realității, capabilă să fie doar o aparență de pictură artistică. Până în anii 20-30 ai secolului XX, articolele și publicațiile s-au gândit serios la întrebarea dacă fotografia este o artă sau este doar o abilitate aplicată, practică, unde rolul cheie îl joacă tehnica, și nu fotograful însuși.

Există mai multe perioade în dezvoltarea fotografiei ca artă. Chiar și în zorii dezvoltării fotografiei, aceasta nu era cu mult diferită de pictură, adică fotografii au încercat să folosească tehnici picturale care le erau bine cunoscute în fotografie. Au fotografiat în principal obiecte monumentale, imobile. Aceste prime printuri fotografice aparțineau genului portretului sau peisajului. În plus, datorită apariției industriei ziarelor în secolul al XIX-lea, fotografia a ocupat nișa simplelor dovezi documentare ale anumitor evenimente. Putem spune că la acea vreme nu se vorbea despre expresivitatea și arta fotografiei. Când fotografia a devenit cu adevărat artă?

Probabil, este imposibil să numim vreo dată exactă. Dar istoricii fotografiei notează un eveniment semnificativ care a avut loc în 1856. Apoi suedezul Oscar G. Reilander a realizat o imprimare compusă unică din treizeci de negative retușate diferite. Fotografia sa, intitulată „Două drumuri ale vieții”, părea să descrie o saga străveche despre intrarea în viață a doi tineri. Unul dintre personajele principale din fotografie se îndreaptă către diverse virtuți, caritate, religie și meșteșuguri, în timp ce celălalt, dimpotrivă, este purtat de astfel de plăceri păcătoase ale vieții precum jocuri de noroc, vin și imoralitate. Această fotografie alegorică a devenit instantaneu cunoscută pe scară largă. Și după expoziția de la Manchester, fotografia lui Reilander a fost achiziționată de însăși Regina Victoria pentru colecția Prințului Albert.

Această fotografie combinată poate fi considerată pe bună dreptate una dintre primele lucrări independente legate de fotografie. Abordarea creativă a lui Oscar G. Rejlander s-a bazat, desigur, pe educația clasică de istorie a artei pe care a primit-o la Academia Romană. În viitor, numele său este asociat cu diverse experimente cu fotomontajul și cu dezvoltarea expunerii duble și cu o fotografie uimitoare cu expuneri multiple.

Munca lui Reilander a fost continuată de talentatul artist și fotograf Henry Peach Robinson, care a devenit celebru datorită fotografiei sale compozite „Leaving”, realizată din cinci negative. Această fotografie artistică a arătat o fată murind pe un scaun, cu sora și mama ei stând cu tristețe deasupra ei, iar tatăl ei uitându-se în deschide fereastra. Fotografia „Leaving” a fost criticată pentru denaturarea adevărului, dar, cu toate acestea, a câștigat o mare popularitate. A fost achiziționat imediat de curtea regală engleză, iar prințul moștenitor ia dat chiar lui Robinson un ordin permanent pentru o imprimare a unei astfel de fotografii.

— Plecând. G. P. Robinson

Robinson însuși a devenit un important exponent al așa-zisei fotografii picturale în Anglia și Europa. Această direcție a artei fotografice a ocupat o poziție dominantă în fotografie până în primul deceniu al secolului XX. În fotografia picturală au fost folosite multe efecte și tehnici picturale.

Trebuie spus că fotografia pentru o lungă perioadă de timp nu a putut scăpa de „umbra” picturii. Cu toate acestea, dezvoltarea fotografiei ca artă independentă la începutul secolului trecut a fost mult facilitată de expoziții regulate, unde, alături de fotografii simple și frumoase, spectatorii puteau vedea fotografii interesante demn de titlul de „operă de artă”. Una dintre primele astfel de expoziții internaționale a fost numită modest 291 Photography Gallery, care a fost deschisă de Alfred Stieglitz în 1905 la New York. Aceasta a fost o adevărată expoziție de artă contemporană, în care numele artiștilor celebri au stat la egalitate cu fotografi.

Odată cu începutul anilor 20 și 30 a început fotografia noua perioada, direct legată de producția de masă a ziarelor și revistelor. Fotografia își schimbă stilul în favoarea fotografiei documentare și de reportaj. Realizarea documentară și artistică s-au împletit treptat în fotografie într-un singur întreg. A apărut o nouă generație de fotografi care, prin reportaj și fotografie documentară, au făcut zilnic istoria țării lor și a întregii lumi. În această perioadă, arta fotografică a devenit strâns legată expresie artistică cu o componentă ideologică şi socială.

Fotografia devine purtătoarea unui anumit adevăr istoric, o reflectare a evenimentelor care au avut loc efectiv. Nu degeaba, în anii 20-30, diverse afișe, albume foto și reviste aveau o valoare deosebită. În acești ani au început să apară comunități și societăți de artiști fotografi, care au căutat să transforme fotografia într-o formă de artă autosuficientă.

La noi însă, aceste procese pozitive au fost practic înghețate la sfârșitul anilor 1930. Cortina de Fier a izolat fotografia rusă de tendințele din viața artistică internațională pentru o lungă perioadă de timp. Fotografii sovietici talentați au fost forțați să se angajeze doar în reportaje foto realiste socialiste. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, mulți dintre ei au vizitat fronturile de luptă și au putut surprinde pe film momente memorabile ale marii victorii.

În anii 60-70, fotografiile au început din nou să fie considerate opere de artă independente. Aceasta este epoca fotorealismului și a experimentelor îndrăznețe cu diverse tehnologii fotografice și tehnici artistice. Începând din această perioadă de timp, toate domeniile fotografiei care se aflau la periferia atenției publice au primit în sfârșit dreptul de a fi prezentate ca valoare artistică independentă în artă. Apar noi genuri de fotografie, în care punctul cheie este intenția autorului și viziunea creativă a fotografului. Fotografi celebri ai acelei vremuri în lor lucrari artistice a început să abordeze probleme sociale atât de importante, cum ar fi inegalitatea socială, sărăcia, munca copiilor și multe altele.

Următoarea revoluție în fotografie o datorăm tranziției de la film la camerele digitale. Formatul de imagine digitală a permis fotografilor să se îndepărteze oarecum de o simplă imagine în oglindă a realității din jurul lor. Odată cu apariția camerelor digitale, calculatoarelor și editorilor grafici, fotograful are posibilitatea de a-și transforma fotografiile în așa fel încât privitorul să aibă ocazia să se familiarizeze cu viziunea creativă a creatorului de imagini și să se cufunde în lumea sa suprareală. Deși fotografia a devenit un fenomen de masă în zilele noastre, selectivitatea și o „viziune” personală specială sunt încă importante pentru fotografie ca artă, permițând unei persoane să creeze o adevărată operă de artă folosind mijloace fotografice.

În ciuda faptului că cu ajutorul camera digitala Puteți face câteva sute de poze în câteva minute, desigur, nu orice cadru poate fi clasificat ca artistic. Un fotograf modern își exprimă viziunea asupra lumii sau intenția autorului prin perspectivă, joc abil de lumini și umbre, alegere subtilă a momentului fotografierii și alte tehnici. Astfel, fotograful, nu tehnicianul, rămâne chiar în centrul artei fotografice. Doar o persoană este capabilă să pună o bucată din sine într-o imagine. lumea interioara astfel încât imaginea să fie „coperită” de noi emoții și să dezvăluie talentul fotografului însuși.