Comedie greacă veche. Originea comediei, componente, originalitatea comediei atice antice

Comedia antică atică, ca și tragedia, s-a născut din jocurile rituale ale sărbătorilor lui Dionysos. O altă sursă este o formă elementară de farsă populară - o scenetă comică în care un hoț prost, un om de știință lăudăros etc. sunt ridiculizate.

Termenul „comedie” se întoarce la cuvântul grecesc antic comōidía, care înseamnă literal „cântec de komos”, adică cântecul participanților la o procesiune festivă a satului dedicat glorificării forțelor dătătoare de viață ale naturii și asociat de obicei cu debutul solstițiului de iarnă sau echinocțiului de primăvară. Etimologia conceptului este în concordanță cu mesajul lui Aristotel, care urmărește începutul comediei până la improvizațiile întemeietorilor de cântece falice („Poetica”, capitolul IV), care erau o parte indispensabilă a komosului, exprimând speranțele de fermieri pentru o recoltă bogată și o urmașă bună de vite.

Trăsăturile caracteristice ale comediei atice antice ca gen sunt ridicul politic vizat anumite persoaneși cu privire la curent problemele contemporane, fabulozitate și fantasticitate.

Una dintre cele mai remarcabile trăsături ale structurii comediei antice atice a fost rolul activ al corului, purtătorul principalei idei jurnalistice a piesei, deși adesea îmbrăcat în costume fanteziste de păsări, animale, nori, orașe, subteran. spirite, etc.

Comedia mansardă folosește măști tipice („războinic lăudăros”, „șarlatan științific”, „clovn”, „bătrână beată”, etc.), Obiectul său nu este trecutul mitologic, ci modernitatea vie, actuale, uneori chiar de actualitate, probleme ale viaţa politică şi culturală. Comedia „veche” este în primul rând o comedie politică și acuzatoare, transformând cântecele și jocurile folclorice „batjocoritoare” într-o armă a satirei politice și a criticii ideologice.

Alte trăsătură distinctivă Comedie „veche”, aceasta este libertatea completă de batjocură personală a cetățenilor individuali, cu denumirea deschisă a numelor lor. Persoana ridiculizată fie a fost adusă direct pe scenă ca personaj comic, fie a devenit subiectul unor glume și aluzii caustice, uneori foarte grosolane, făcute de cor și actorii de comedie. De exemplu, în comediile lui Aristofan sunt aduse pe scenă persoane precum liderul democrației radicale Cleon, Socrate și Euripide. Nu o dată s-a încercat limitarea acestei licențe de comedie, dar pe tot parcursul secolului al V-lea. au rămas fără succes.

Sunt folosite și măști tipice ale folclorului și comediei siciliene. chiar și atunci când personajele sunt contemporane vii; Astfel, imaginea lui Socrate în Aristofan recreează într-o foarte mică măsură personalitatea lui Socrate, dar este în principal o schiță parodică a unui filozof („sofist”) în general, cu adăugarea de trăsături tipice ale măștii unui „șarlatan științific. ”

În Noua Comedie, parodia tragediei, care era încă prezentă în Comedia de mijloc, aproape a dispărut, probabil pentru că publicul nu era suficient de familiarizat cu operele tragediilor pentru a înțelege aluziile la acestea. Dar ridicolul filozofilor continuă, așa cum au făcut-o în Comedia de mijloc; Ei îi privesc în principal pe stoici și pe Epicur și foarte rar pe Platon. Temele mitologice sunt mult mai puțin frecvente decât în comedia de mijloc; de cele mai multe ori vin la Diphilus. Numărul de comedii intitulate cu nume de hetere este semnificativ mai mic decât în comedia de mijloc.

Perioada de glorie a noii comedii attice datează de la sfârșitul secolelor al IV-lea și al III-lea. î.Hr e. Cunoaștem peste 60 de nume ale reprezentanților săi, dar lucrările lor le cunoaștem aproape doar din fragmente. Adevărat, acest decalaj este parțial compensat de modificările poeților romani Plautus (aprox. 250-184) și Terence (aprox. 190-159 î.Hr.). Menandru, Filemon, Difil, Apolodor, Posidip, Demofil.

Diferența exterioară dintre comedia „nouă” și cea „vechi” era absența unui cor, care nu se potrivea conținutului său, ceea ce necesita o mai mare intimitate. Cântecele de cor sunt uneori menționate în text, dar nu au avut nicio legătură cu acțiunea și serveau doar ca divertisment în timpul pauzelor. În reprezentarea acestor comedii numărul actorilor nu a fost limitat la trei. O altă trăsătură a comediei a fost figura specială a „prologului”, care a oferit, așa cum s-a întâmplat adesea în tragediile lui Euripide, o explicație a conținutului piesei.

Principalele trăsături ale Noii Comedie Atic: concentrarea interesului asupra conflictelor private și intrigi amoroase; dorința de verosimilitate cotidiană, respingerea jocului nestăpânit al fanteziei; dispariția caracteristicilor spectacolului de cult popular; atracție față de situații stereotipe și masca personaje (hetera, sclav, tată zgârcit, războinic lăudăros etc.). „Noua” comedie reacționează ocazional și în treacăt la evenimentele politice

2. Evoluția creativității lui Aristofan. Problematica și poetica comediilor sale.

Evoluţie:

1) 427-421, aceasta este prima etapă a războiului din Peloponesia. Această perioadă este puternic politică, cu respectarea unui stil ritual-coral.

2) a doua perioadă (414-405) de la 421 la 414 nu avem nicio informație.

Această perioadă nu mai este atât de clar politică. Temele sale sunt în principal sociale și satirice, conțin satira despre poeți și teatru în legătură cu revendicările politice;

3) perioada a treia (392-388) prăbușirea vechii comedii agro-ritual-politice, abordarea comediei cotidiene ulterioare a manierelor, cultivarea idealurilor utopice, predominarea dialogului asupra corului, absența parabasului.

1) Schimbarea rolului corului

La început, corul a participat la acțiune până la parabassa în parabassa, corul a vorbit în numele autorului și apoi nu a avut nimic de-a face cu intriga. Corul a exprimat deschis tendința autorului.

Mai târziu, Aristofan a căutat să implice corul în dezvoltarea intrigii.

2) Deschidere adâncă proprietăți individuale natura personajelor. De exemplu, Lysistrata este intenționată, pretențioasă, inflexibilă.

Caracterul viu al unui sclav. În „Acharniens” și „Păsări” sclavii sunt figuranți fără cuvinte, spre deosebire de sclavul din „Broaște”.

Din punct de vedere al conținutului, comedia lui Aristofan este împărțită în două părți: în prima, este prezentată și dezbătută o teză, iar în a doua, sunt descrise consecințele practice ale acestei teze și sunt posibile două cazuri: fie aceste consecințe se dovedesc fi vădit rău, iar prin aceasta se dovedește nepotrivirea a ceea ce s-a asumat prin teze, sau dimpotrivă, consecințele se dovedesc a fi bune. Primul caz poate fi văzut în „Nori”, unde consecințele ilustrează răul învățăturilor sofisticate care au triumfat asupra educației antice. Cel de-al doilea caz poate fi observat la Lysistrata.

Versul lui Aristofan este variat; V diferite părțiÎn comedie se folosesc diferite contoare poetice, în principal în funcție de ceea ce este destinată partea - pentru conversație sau pentru cânt.

Prin urmare, în dialog se folosesc niște metri, în părțile lirice - altele.

Dialogul folosește: 1) trimetru trunchiat iambic, 2) tetrametru trunchiat iambic, 3) tetrametru trunchiat trohaic, 4) tetrametru trunchiat anapestic.

Oricum ar fi, este destul de evident că limbajul tuturor personajelor din Aristofan este exact același. Acest lucru a fost observat și de autorul tratatului „Compararea lui Aristofan cu Menander”, în care Aristofan este acuzat că are un astfel de mod de exprimare care este același pentru toate personajele. Nici un singur cetățean al Atenei nu vorbește

limbaj incorect; chiar și sclavii folosesc întotdeauna excelentul limbaj attic; Nu există nimic ca „tayo” al lui Tolstoi în comedia attică. Dimpotrivă, străinii care apar pe scenă sunt întotdeauna reprezentați ca vorbind limba sau dialectul poporului căruia îi aparțin: de exemplu, beoțianul și megarianul la acharnans, spartanul la Lysistrata; sau vorbesc atic rupt: de exemplu, persană în „Acharnians”, scită în „Thesmophoriazus”. Aceasta servește drept dovadă că atenienii vorbeau toți aceeași limbă: altfel Aristofan nu ar fi ratat ocazia de a râde

asupra unei trăsături vulgare a compatrioților săi (Sobolevsky)

3. Comedia „Norii”: conflict, probleme, sistem de imagini, tehnici de creare a unui efect comic.

Conflict de generații; conflict între vechi și nou; conflictul dintre educația antică și învățăturile sofisticate. Aristofan a căutat să dezvăluie pericolul politic al dialecticii sofisticate. Aristofan ia armele în piesa sa împotriva filozofiei sofiştilor şi vorbeşte despre influenţa ei corupătoare asupra moralei societăţii şi mai ales asupra tineretului. L-a făcut de rușine pe Socrate și, în persoana lui, toată știința la modă.

Probleme:

Problema educației, problema adevărului și minciunii

Tehnici de efect comic:

ü O exagerare grotească a „minții sofisticate” a lui Socrate

ü Contrastul comic de „înalt” și „jos”: teoria abstractă a lui Socrate și mintea sobră și practică a lui Strepsiade.

ü La sfârșitul piesei, când Strepsiade dă foc „camerului gândirii”, el răspunde la întrebarea lui Socrate cu propriile sale cuvinte rostite la întâlnire: „Merg pe aer, contemplând soarele”. Comedia acestui răspuns este sporită de asemănarea situației: mai întâi Strepsiade l-a întrebat pe Socrate, care stătea dedesubt, iar acum Socrate și studenții săi erau dedesubt.

ü Sub formă de grotesc, sunt ridiculizate discursurile pompoase goale ale profesorilor, tonul lor peremptoriu și încrederea că numai ei dețin adevărul.

De ce a fost ales Socrate ca principal sofist?

ü Una dintre principalele calități ale lui Socrate a fost stăpânirea sa excelentă a dialecticii sofistice el a fost considerat un maestru foarte priceput al raționamentului sofistic, chiar și printre sofisti;

ü Aceeași atitudine față de problemele socio-politice ca și sofiștii: disprețul pentru democrație și tradițiile morale foarte venerate (este o prostie să alegi funcționarii prin tragere la sorți, întrucât adevărații conducători sunt „cunoscătorii”, cei care știu să guverneze. Socrate a fost acuzat că trezește dispreț în rândul tinerilor pentru stilul de stat consacrat.

De fapt, Socrate se deosebea și de sofiști în multe privințe.

ü Socrate nu ținea prelegeri plătite și nu pretindea că cunoaște adevărul absolut.

ü Nu era interesat de problemele științifice naturale (în piesă spune că „cerul este un cuptor de fier, iar oamenii sunt cărbuni”).

Cu toate acestea, Aristofan a dat o oarecare specificitate imaginii lui Socrate. El a dat caracteristici externe filozof: Socrate mergea desculț, aspectul lui era urât

Sistem de imagine:

În comedia „Norii” sunt prezentate următoarele personaje: Strepsiade - un bătrân, un om de școală veche, harnic, cinstește zeii și obiceiurile, își apără credința; Pheidipide este fiul său, un tânăr; Xanthius - servitorul lui Strepsiade; elev al lui Socrate; Socrate este un filozof, un bărbat de aproximativ 46 de ani; Justiția este o persoană alegorică, reprezentantă

învăţământul antic atenian; Curtea strâmbă este un chip alegoric,

reprezentant al noului, sofistic educație ateniană; Pasii - moș, creditor al lui Strepsiade; Aminius - un tânăr, creditor al lui Strepsiade; martorul adus de Pasius este un mut; Cheerefon, elev al lui Socrate, vorbind un singur vers - 1505.

Corul este format din Nori, înfățișați ca femei.

4. Comedia „Broaște”: compoziție, conflict, probleme, sensul agonului, imagini ale personajelor principale, originalitatea benzii desenate.

Conflict: o ciocnire a două viziuni asupra lumii: democrația conservatoare latifundiară ateniană din perioada de formare și democrația radicală a războiului din Peloponesia cu manifestarea unei crize de ideologie.

Comedia este dedicată criticii fundamentelor ideologice ale dramaturgiei lui Euripide și tehnicilor sale scenice. În același timp, conține multe declarații ale lui Aristofan asupra problemelor de politică internă și externă a Atenei.

Probleme: Ce este adevărata artă? Care sunt principalele avantaje ale tragediei?

Există trei planuri în comedie:

În primul rând: bufoneria obișnuită cu participarea lui Dionysos și a sclavului său. Comedia aventurii lor se bazează pe o parodie a mitului despre cum eroul și omul puternic Hercule a coborât la Atena și l-a furat pe Cerber. Tehnici farsale, glume grosolane, ceartă, clownuri amuzante sunt accesoriile primei părți a comediei.

Al doilea: plan publicistic. Motive politice în cântecele corale mistice.

Al treilea: Disputa literară dintre Eschil și Euripide. De ce Eschil și Euripide?

Opera lui Eschil a reflectat viziunea asupra democrației ateniene asupra lumii. Dar Euripide a acordat mai multă atenție personalității umane, viziunea sa asupra lumii este apropiată de sofiști.

Comedia „Broaștele” se împarte în două părți. Prima înfățișează călătoria lui Dionysos în împărăția morților. Zeul competițiilor tragice, tulburat de golul de pe scena tragică după moartea recentă a lui Euripide și Sofocle, merge în lumea interlopă pentru a-și scoate la iveală Euripides preferat. Această parte a comediei este plină de scene clovnești și efecte spectaculoase lașul Dionysos, care se aprovizionase cu pielea de leu a lui Hercule pentru o călătorie periculoasă, și sclavul său se află în diverse situații comice, întâlnindu-se cu figurile cu care grecii; folclorul a populat regatul morţilor. Dionysos, de frică, își schimbă rolurile cu sclavul și de fiecare dată în detrimentul său. Comedia și-a luat numele de la corul de broaște, care, în timpul trecerii lui Dionysos în lumea interlopă pe naveta lui Charon, își cântă cântecele parodia corului misticilor este curioasă pentru noi pentru că este o reproducere a cântecelor de cult în cinste; lui Dionysos. Imnurile și ridicolul corului sunt precedate de un discurs introductiv al conducătorului - un prototip de parabas comic. Problemele „Broaștelor” sunt concentrate în a doua jumătate a comediei, în agonia lui Eschil și Euripide. Euripide, care a ajuns recent în lumea interlopă, revendică tronul tragic, care până atunci îi aparținea fără îndoială lui Eschil, iar Dionysos este invitat ca persoană competentă - judecătorul competiției. Eschil se dovedește a fi câștigătorul, iar Dionysos îl ia cu el pe pământ, contrar planurilor inițiale. intenția de a-l lua pe Euripide. Concursul în „Broaște”, parodiând parțial metodele sofisticate de evaluare a lit. opere, este cel mai vechi monument al literaturii antice. criticii. Se analizează stilul ambilor rivali și proloagele acestora. Prima parte examinează problema principală a sarcinilor artei poetice, sarcinile tragediei. Euripide:

Pentru discursuri sincere, pentru sfaturi bune și pentru a fi mai deștepți și mai buni

Ei fac cetățeni ai pământului lor natal.

Conform preceptelor lui Homer, în tragedii am creat eroi maiestuoși -

Și Patroclu și Teucrov cu sufletul ca un leu. Am vrut să cresc cetățeni la ei,

Pentru ca ei să poată sta la egalitate cu eroii atunci când aud trâmbițele războiului.

Personajele principale din această comedie sunt următoarele. Dionysos ca zeul afacerilor teatrale; Xanthius, servitorul lui; Euripide, poet; poet Eschil; Pluto, zeul lumii interlope. Corul principal este format din „mistere”, adică inițiați în misterele eleusine; refrenul secundar este format din broaște și acționează doar în afara scenei. Nu este clar de ce piesa poartă numele acestui cor secundar și nu după cel principal. Cea mai mare parte a acțiunii are loc în lumea underground.

Comedia lui Aristofan „Broaștele” este interesantă ca expresie a opiniilor autorului său. Este îndreptat împotriva lui Euripide, care este portretizat ca un poet sentimental, efeminat, antipatriotic. Comedia este interesantă, mai departe, pentru tendința ei ascuțită anti-mitologică. Zeul teatrului este Dionysos, prost, laș și patetic. Semnificația lui agon: Prin agon, Aristofan compară opera lui Eschil cu opera lui Euripide.

Începe partea principală a piesei - competiția dintre Eschil și Euripide. În primul rând, partea atacantă este Euripide, care îl acuză pe Eschil că a prelungit în mod deliberat tragediile și că a încercat în mod deliberat să înșele publicul cu tăcerea îndelungată a personajului pentru a prelungi melodiile corului și pentru a-i uimi cu cuvinte groaznice inventate deliberat, fără sens în esență. , dar sonor și alarmant în absurditatea lor.

mister: cuvântul „cocoș de cal” („hippalectrion”) într-o tragedie a lui Eschil l-a făcut pe Dionysos să sufere de insomnie toată noaptea, reflectând asupra semnificației sale.

Apoi rolurile se schimbă, iar Eschil începe să atace; spre deosebire de Euripide, el îndreaptă atacuri nu asupra formei exterioare, ci asupra conținutului intern al dramelor, acuzându-l pe Euripide de imoralitatea comploturilor. Crima lui Euripide, conform lui Eschil, este că în piesele sale înfățișează soții îndrăgostite și înșelându-și soții și îi învață pe tineri să vorbească degeaba și să nu facă afaceri. Cu toate acestea, în dezbaterea ulterioară se atrage atenția asupra tehnicii vorbirii. Și din nou aici, primul care atacă este reprezentantul noii tehnici verbale și a stăpânirii sofisticate a raționamentului, Euripide, care îi reproșează lui Eschil inexactitatea limbajului și că a exprimat același concept în două cuvinte diferite.

Apoi atacă Eschil. El subliniază inexactitatea modului de exprimare al lui Euripide. Astfel, Euripide spune într-o tragedie: „La început Oedip a fost un om fericit”; Eschil obiectează: „Oedip nu putea fi fericit, pentru că încă dinainte de naștere a existat

Se prevede că își va ucide tatăl.” Apoi Eschil subliniază monotonia construcției prologurilor lui Euripide: poeziile sale sunt structurate în așa fel încât în prima jumătate a versului participiul este plasat în nume. n. masculin amabil și datorită acestui lucru, în a doua jumătate a versului după cezură, puteți introduce o frază precum „a pierdut sticla”, de exemplu: „Egipt, ajungând în Argos cu fiii ei, ... a pierdut sticla. ” Apoi, în dispută, adversarii critică reciproc latura muzicală a cântecelor corale și solo ale tragediilor lor.

Literatură:
1. Govnya V.V. Aristofan. M., 1955.
2. Guseinov G.Ch. Aristofan. M., 1988
3. Sobolevsky S.I. Aristofan și timpul său. M., 1957.
4. Yarkho V.N. Aristofan. M., 1954.
5. Yarkho V.N., Polonskaya K.P. Comedie antică: un manual pentru un curs special. - M.: Editura Universității din Moscova, 1979.

COMEDIE VECHE DE MANSARDĂ

Alături de tragedie și drama satirică, ea a participat în egală măsură la spectacolele de teatru în onoarea lui Dionis din 487/486 î.Hr. e. comedie.

Originea comediei este la fel de complexă ca și originea tragediei. Termenul „comedie” se întoarce la cuvântul grecesc antic comōidía, care înseamnă literal „cântec de komos”, adică cântecul participanților la o procesiune festivă a satului dedicat glorificării forțelor dătătoare de viață ale naturii și asociat de obicei cu debutul solstițiului de iarnă sau echinocțiului de primăvară. Etimologia conceptului este în concordanță cu mesajul lui Aristotel, care urmărește începutul comediei până la improvizațiile întemeietorilor de cântece falice („Poetica”, capitolul IV), care erau o parte indispensabilă a komosului, exprimând speranțele de fermieri pentru o recoltă bogată și o urmașă bună de vite.

Franchețea rituală a komosului primitiv a facilitat pătrunderea elementelor acuzatoare în el, când, în procesul de stratificare socială, s-au scos la iveală tendințele membrilor bogați ai clanului de a asupri cea mai mare parte a fermierilor. În orice caz, sursele antice târzii relatează că, pe vremuri, oameni obișnuiți, asupriți de vreun om bogat, se adunau noaptea lângă casa lui și cântau cântece care dezvăluiau cruzimea și lăcomia infractorului. De-a lungul timpului, statul a apreciat semnificația socială a acestor invective țărănești și a ordonat interpreților lor să-și repete cântecele batjocoritoare în timpul zilei și în fața tuturor oamenilor. Au pus chiar numele unui anume poet Susarion, care a trăit în prima jumătate a secolului al VI-lea. î.Hr e. și a îmbrăcat improvizațiile agricole în formă poetică, iar activitățile lui Susarion au fost asociate cu înflorirea pe termen scurt a democrației în orașul Peloponesian Megara.

Deși fiabilitatea istorică a unor astfel de dovezi nu poate fi considerată complet dovedită, ele surprind, fără îndoială, corect caracterul acuzator al cântecelor falice și al komosului în general, moștenit ulterior de comedia literară attică.

Cealaltă sursă a ei a fost o formă elementară și la fel de veche de farsă populară - o scenetă comică în care un om bogat prost, un necins sau un hoț încearcă să înșele, să fure sau să încalce în alt mod interesele personajului principal, dar întotdeauna eșuează și pleacă. scena în dizgrație, însoțită de lovituri de bastoane și râsete prietenoase din partea publicului. Personajele dintr-o asemenea farsă puteau fi chiar zei sau eroi mitici: atmosfera veselă a festivalului dionisiac le permitea să fie tratate liber.

Genul de folclor, scene cotidiene și parodi-mitologice au primit pentru prima dată tratament literar, se pare, în opera comedianului sicilian Epicharmus (sfârșitul al VI-lea - prima jumătate a secolului al V-lea î.Hr.), cunoscut la noi doar prin numele și fragmentele minore de comediile lui. Aici ne întâlnim printre personaje și zei, și nesătul mâncăciosul Hercule, și ticălosul Ulise, dar și câțiva tipuri de gospodărie(de exemplu, parazit), caracteristic ulterior comediei attice. În dezvoltarea sa, critica antică târzie a identificat trei perioade, desemnându-le, respectiv, antice, mijlocii și moderne, și istoria modernă literatura aderă la această diviziune, deoarece permite să se caracterizeze destul de clar trăsăturile de gen ale comediei în fiecare etapă a existenței sale.

Ilustrare:

Ser. secolul IV î.Hr e.

Teatrul de la Epidaur, atribuit arhitectului Policlet cel Tânăr

Participarea corului a creat o structură compozițională specifică a comediei antice, reflectând principalele trăsături ale originii sale din elemente corale (acuzatorii) și dialogice (farse).

Comedia s-a deschis cu un prolog - de obicei o scenă dialogică în care a fost prezentată expunerea intrigii, a fost conturată aranjamentul participanților săi și, uneori, au avut loc evenimente foarte semnificative. Prologul a fost urmat, ca și în tragedie, de refren, dar mult mai vioi, iar adesea refrenul era direct implicat în acțiune, luând partea personajului principal sau, dimpotrivă, încercând în toate modurile posibile să împiedice împlinirea. a planului său. Uneori, corul, care în comedie era format din 24 de persoane, se putea împărți în două jumătăți în război. Dar, indiferent de acest lucru, spectacolele corului de-a lungul comediei sunt caracterizate de o structură simetrică: cântecele au fost interpretate alternativ de două semicoruri.

Ciocnirea, apărută în prolog și intensificată după interpretarea corului, a atins cea mai mare tensiune în scena agonului, adică disputa dintre doi adversari, încurajată și încurajată la maximă persistență de semicoruri. Odată cu victoria uneia dintre părți, conținutul conflictului s-a epuizat în esență. A doua jumătate a comediei a constat dintr-un șir de scene farse, legate doar de personalitatea personajului principal: fie a demascat și a alungat tot felul de escroci care voiau să profite de victoria pe care o câștigase deja, fie, mai puțin. de multe ori, cu fiecare episod nou se apropia de înfrângerea sa, iar apoi victoria s-a dovedit a fi iluzorie, imaginară. Comedia s-a încheiat cu cântecul corului părăsind orchestra.

Între agon și episoadele celei de-a doua jumătăți a comediei, partea sa cea mai originală, așa-numita parabas, era de obicei înțepată în: adresa corului către public, un fel de digresiune lirică și jurnalistică, în care autorul, prin gura corului, a vorbit direct publicului despre el însuși și despre evenimentele actuale, a dat sfaturi politice, și-a amintit despre trecut și, în același timp, i-a atacat pe cei al căror comportament îi considera incompatibil cu cel civil.

moralitate. Parabasa a reprezentat, aparent, cel mai vechi nucleu coral al comediei, acuzator în scopul ei principal.

Activitatea socială și politică, intervenția în discuția unor probleme de actualitate, critica ascuțită a oricăror personalități politice, poeți, filozofi au constituit o altă trăsătură semnificativă a comediei atice antice. Ieșită din denunțurile țărănești înflăcărate, menite să distreze și să instruiască masele de oameni în timpul festivalurilor naționale, care constau în mare parte din aceiași fermieri atici, comedia antică nu cunoștea limite nici în a condamna persoane, instituții, obiceiuri pe care le displăcea, sau în francheţea şi fantezia situaţiilor. În esență, a fost un gen profund democratic și nu întâmplător a căpătat acces în Marea Dionisie în 487/486, la trei ani de la victoria de la Maraton, când influența țărănimii atice s-a întărit. Autorii de comedii, asemenea poeților tragici, au jucat ca concurs artistic: trei dramaturgi concurau anual, fiecare cu câte o comedie. Pe la 444 au început să fie puse în scenă și comedii la Lenaia.

Numărul comedianților atenieni a fost foarte mare: se cunosc peste cincizeci de nume de poeți care au scris în secolele V - începutul secolului IV. Dintre aceștia, critica antică a scos în evidență – probabil prin analogie cu triada tragică – Cratinus, Eupolis și Aristofan, dar doar fragmente din primele două au ajuns la noi. Astfel, singurele monumente ale comediei antice atice pentru noi sunt comediile lui Aristofan.

Sunt piese cu un complot parodico-mitologic, dar nici una, nici alta nu constituie chipul comediei attice. Obiectul său nu este trecutul mitologic, ci modernitatea vie, probleme actuale, uneori chiar de actualitate, ale vieții politice și culturale. Comedia „veche” este în primul rând o comedie politică și acuzatoare, transformând cântecele și jocurile folclorice „batjocoritoare” într-o armă a satirei politice și a criticii ideologice.

O altă trăsătură distinctivă a comediei „vechi”, care a atras atenția deja în antichitatea ulterioară, este libertatea completă de batjocură personală a cetățenilor individuali, cu denumirea deschisă a numelor lor. Persoana ridiculizată fie a fost adusă direct pe scenă ca personaj comic, fie a devenit subiectul unor glume și aluzii caustice, uneori foarte grosolane, făcute de cor și actorii de comedie. De exemplu, în comediile lui Aristofan sunt aduse pe scenă persoane precum liderul democrației radicale Cleon, Socrate și Euripide. Nu o dată s-a încercat limitarea acestei licențe de comedie, dar pe tot parcursul secolului al V-lea. au rămas fără succes.

Metoda ridiculizării ordinii publice și a cetățenilor individuali rămâne caricatură. Comedia „veche” de obicei nu își individualizează personajele, ci creează imagini caricaturale generalizate, folosind și măști tipice ale folclorului și comediei siciliene. Acesta este cazul chiar și atunci când personajele sunt contemporane în viață; Astfel, imaginea lui Socrate în Aristofan recreează într-o foarte mică măsură personalitatea lui Socrate, dar este în principal o schiță parodică a unui filozof („sofist”) în general, cu adăugarea de trăsături tipice ale măștii unui „șarlatan științific. ”

Intriga comediei este în mare parte fantastică în natură. Cel mai adesea, se realizează un proiect irealizabil de schimbare a relațiilor sociale existente; de exemplu, în comediile lui Aristofan, eroul încheie o pace separată cu Sparta pentru el și familia sa („Acharnieni”) în timpul Războiului Peloponezian, stabilește o stare de pasăre („Păsări”) etc. Satira ia forma utopiei . Însăși improbabilitatea acțiunii creează un efect comic special, care este sporit și mai mult de perturbarea frecventă a iluziei scenice sub forma actorilor care se adresează publicului.

din două părți principale. Prima, pronunțată de conducătorul întregului cor, este un apel către public în numele poetului, care aici stabilește punctele cu rivalii săi și cere o atenție favorabilă piesei. În același timp, corul trece în fața publicului într-un ritm de marș („parabassa” în sensul propriu al cuvântului). A doua parte, cântecul corului, are un caracter strofic și este alcătuită din patru părți: oda lirică („cântec”) a primului hemihor este urmată de un recitativ epirrema („proverb”) a conducătorului acestui hemihor în un ritm troheic de dans; în strictă concordanță metrică cu oda și epirema, se localizează apoi antoda celei de-a doua hemichorie și antepirrema conducătorului acesteia.

Principiul compoziției „epirematice”, adică alternarea în perechi a odelor și epiremelor, pătrunde și în alte părți ale comediei. Aceasta include, în primul rând, scena „competiției” și cursa, în care este adesea concentrată latura ideologică a piesei. Agon are în cele mai multe cazuri o construcție strict canonică. Două personaje „concurează” între ele, iar disputa lor constă din două părți; în primul, rolul principal aparține părții care va fi învinsă în competiție, în al doilea - câștigător; ambele părți se deschid simetric cu ode corale în corespondență metrică și o invitație de a începe sau continua competiția. Există, totuși, scene de „concurență” care se abat de la acest tip.

Următoarea structură poate fi considerată tipică pentru comedia „veche”. Prologul oferă o expunere a piesei și conturează proiectul fantastic al eroului. Urmează o parodă (introducere) de către cor, o scenă live, adesea însoțită de un scrum, la care participă și actorii. După agon, scopul este de obicei atins. Apoi se dă parabasa. A doua jumătate a comediei este caracterizată de scene de tip farsic în care sunt înfățișate consecințele bune ale proiectului și diverși extratereștri enervanti care tulbură această beatitudine sunt alungați. Corul de aici nu mai ia parte la acțiune și mărginește doar scenele cu cântecele lor; În urma lor, se găsește adesea o parte construită epirematic, de obicei numită, din păcate, „a doua parabassa”. Piesa se încheie cu o procesiune de komos. Structura tipică permite diverse abateri, variații și rearanjamente ale părților individuale, dar comediile din secolul al V-lea cunoscute nouă, într-un fel sau altul, gravitează spre ea.

În această structură, unele aspecte par artificiale. Există toate motivele să credem că locul inițial al parabassa a fost începutul piesei, și nu mijlocul acesteia. Acest lucru sugerează că într-o etapă anterioară comedia a fost deschisă la intrarea în cor, așa cum a fost cazul în primele etape ale tragediei. Dezvoltarea acțiunii coerente și întărirea părților actorului a dus la realizarea unui prolog rostit de actori și la retrogradarea parabasului la mijlocul piesei. Când și cum a fost creată structura pe care am examinat-o nu se știe; îl găsim deja în forma sa terminată și observăm doar distrugerea lui, o slăbire în continuare a rolului corului în comedie.

Aristofan

Dintre numeroșii poeți comici din a doua jumătate a secolului al V-lea. critica antică ia evidențiat pe trei drept cei mai remarcabili reprezentanți ai comediei „vechi”. Aceștia sunt Cratinus, Eupolis și Aristofan. Primele două ne sunt cunoscute doar din fragmente. În Cratinus, anticii au remarcat duritatea și franchețea ridicolului și bogăția invenției comice, în Eupolis - arta complotării secvențiale și grația duhului. De la Aristofan, s-au păstrat unsprezece piese (din 44) în întregime, care ne oferă posibilitatea de a ne face o idee despre natura generală a întregului gen de comedie „veche”.

Activitatea literară a lui Aristofan s-a desfășurat între 427 și 388; în cea mai mare parte se încadrează în perioada Războiului Peloponezian și a crizei statului atenian. Lupta intensificată a diferitelor grupuri în jurul programului politic al democrației radicale, contradicțiile dintre oraș și rural, problemele războiului și păcii, criza ideologiei tradiționale și noile tendințe în filozofie și literatură - toate acestea s-au reflectat clar în lucrările lui Aristofan. Comediile sale, pe lângă semnificația lor artistică, sunt o sursă istorică cea mai valoroasă care reflectă viața politică și culturală a Atenei la sfârșitul secolului al V-lea. În chestiuni politice, Aristofan abordează partidul democrat moderat, de cele mai multe ori transmițând sentimentele țărănimii atice, nemulțumită de război și ostilă agresivității. politica externă democrație radicală. A luat aceeași poziție moderat conservatoare în lupta ideologică a timpului său. Făcând de râs pașnic fanii antichității, el își întoarce marginea talentului său comic împotriva liderilor demo-urilor urbane și a reprezentanților mișcărilor ideologice noi.

Dintre comediile politice ale lui Aristofan, Călăreții (424) sunt cele mai emoționante. Această piesă a fost regizată împotriva liderului influent al partidului radical, Cleon, la momentul celei mai mari popularități, după strălucitul său succes militar asupra spartanilor.

Printre măsurile luate de Cleon s-a numărat și creșterea taxelor de participare la instanțele populare. Acesta a fost unul dintre documentele de stat pentru cetățenii atenieni, care a fost foarte popular printre demonstrațiile orașului. În comedia „Viespi” (422), Aristofan scoate la iveală un iubitor pasionat de îndatoririle judiciare, bătrânul Kleonoslav; fiul său Kleonokhulus nu-i permite tatălui său să intre în instanță și îl ține închis. În ceea ce privește structura dramatică, această piesă este un exemplu tipic de comedie de carnaval. Like Riders, Wasps se deschide cu dialoguri comice din sclavi; Urmează o expunere a intrigii, adresată publicului și presărată cu ghimpe, destinată cetățenilor individuali. Acțiunea în sine începe cu încercările nereușite ale lui Kleonoslav de a înșela vigilența gărzilor sale cu ajutorul diferitelor trucuri acrobatice; chiar încearcă, parodiându-l pe Ulise, să scape, ascunzându-se sub burta unui măgar. În spatele lui Kleonoslav apare un cor de „viespi” cu înțepături mari; aceștia sunt bătrânii, camarazii lui din completul de judecată. Ciocnirea dintre cor și Kleonokhulos duce, ca de obicei, la „agon”. Kleonoslav gloriifică puterea judecătorilor, în timp ce Kleonokhul încearcă să arate că judecătorii sunt doar jucării în mâinile unor demagogi inteligenți. Din punct de vedere politic, aceasta este partea cea mai serioasă a comediei. O parodie diabolică a procedurilor judiciare ateniene este reprezentată de scena procesului unui câine care a furat o bucată de brânză, jucată după agonie. A doua jumătate a piesei, după parabassa, are un caracter complet farsic. Bătrânul, vindecat de pasiunea judiciară, joacă rolul unui „clovn”. Învață maniere dandy de la fiul său, merge cu el la o petrecere, se îmbătă, face scandaluri, urmărește flautistul și toate acestea se termină într-un dans zbuciumat al komosului.

O serie de comedii ale lui Aristofan sunt îndreptate împotriva partidului militar și sunt dedicate laudei păcii. Astfel, în deja amintita comedie „Acharnieni”, cea mai veche dintre piesele care au ajuns până la noi (425), țăranul Dikeopolis („Cetățeanul corect”) face pace personal cu comunitățile vecine și este fericit, în timp ce lăudărosul războinic Lamachus. suferă de greutățile războiului. În momentul încheierii”: a fost rostită așa-numita Pace a Nikiei (421) „Pacea”. Țăranul Trigaeus se ridică la cer pe un gândac de bălegar (o parodie a Bellerofonului lui Euripide) și, cu ajutorul reprezentanților tuturor statelor grecești, recuperează zeița lumii închisă într-o peșteră adâncă; Alături de ea iese zeița recoltei de fructe, alături de care Trigeus celebrează apoi nunta. În comedia Lisistrata (411), femeile din regiunile în război fac o „grevă” și îi obligă pe bărbați să facă pace.

Oarecum diferite de tipul obișnuit de carnaval sunt acele comedii care nu pun probleme politice, ci culturale. Deja prima (neexistentă) comedie a lui Aristofan, „The Feasting Ones” (427), era dedicată problemei educației vechi și noi și descria consecințele nefaste ale educației sofistice. Aristofan a revenit la aceeași temă în comedia „Norii” (423), care ridiculiza sofisma; Dar „Norii”, pe care autorul le-a considerat cea mai serioasă dintre lucrările pe care le scrisese până atunci, nu a avut succes la public și a primit premiul al treilea. Ulterior, Aristofan și-a revizuit parțial piesa, iar în această a doua ediție a ajuns până la noi.

Bătrânul Strepsiade, încurcat în datorii din cauza obiceiurilor aristocratice ale fiului său Pheidippide, a auzit despre existența unor înțelepți care știu să-l facă pe „pe cel mai slab mai puternic” (p. 102), „din greșit la dreapta” și merge la „cameră de gândire” pentru antrenament. Purtătorul științei sofisticate, ales ca obiect al unei portretizări comice, este Socrate, un chip binecunoscut tuturor atenienilor, un excentric în maniere, a cărui înfățișare „silenică” era deja potrivită pentru o mască comică. Aristofan a făcut din el o caricatură colectivă a sofismului, atribuindu-i teoriile diverșilor sofiști și filozofi ai naturii, de care adevăratul Socrate era în multe privințe foarte departe. În timp ce istoricul Socrate își petrecea de obicei tot timpul în piața ateniană, șarlatanul învățat al „Norilor” este angajat în cercetări aiurea într-o „cameră de gândire” accesibilă doar inițiaților; înconjurat de studenți „decolorați” și slabi, el se află într-un coș agățat „plutind în aer și reflectându-se asupra soarelui”. Socrate îl acceptă pe Strepsiade în „camera gândirii” și îndeplinește asupra lui ritul „inițierii”. Înțelepciunea lipsită de sens și vagă a sofiștilor este simbolizată în corul norilor „divini”, a căror venerare trebuie să înlocuiască de acum înainte religia tradițională. În viitor, sunt parodiate atât teoriile științelor naturii ale filozofilor ionieni, cât și noile discipline sofistice, precum gramatica. Strepsiades, însă, se dovedește a fi incapabil să perceapă toată această înțelepciune și își trimite fiul în locul său. Din problemele teoretice, satira trece pe tărâmul moralității practice. Înainte de Pheidippides, Pravda („Discurs corect”) și Krivda („Discurs nedrept”) concurează în „agon”. Adevărul laudă vechea educație strictă și rezultatele sale benefice pentru sănătatea fizică și morală a cetățenilor. Falsitatea protejează libertatea dorinței. Minciuna învinge. Pheidippides stăpânește rapid toate trucurile necesare, iar bătrânul își trimite creditorii departe. Dar în curând arta sofisticată a fiului se întoarce împotriva tatălui său. Iubitor de vechii poeți Simonide și Eschil, Strepsiade nu era de acord în gusturile literare cu fiul său, un fan al lui Euripide. Disputa s-a transformat într-o luptă, iar Pheidippides, după ce l-a bătut pe bătrân, îi demonstrează într-o nouă „agonie” că fiul are dreptul să-și bată tatăl. Strepsiade este gata să admită puterea acestui argument, dar când Pheidippides promite să dovedească că este legal să bată mamele, bătrânul înfuriat dă foc „camerului gândirii” a ateului Socrate. Comedia se termină astfel fără nunta rituală obișnuită. Trebuie totuși avut în vedere că, conform mesajului antic, scena finală actuală și competiția dintre Adevăr și Minciună au fost introduse de poet abia în cea de-a doua ediție a piesei.

În a doua parte a comediei, satira este mult mai serioasă decât în prima. Aristofan, educat și eliberat de orice superstiție, nu este nicidecum un obscurantist sau un dușman al științei. În sofism, îl sperie despărțirea de etica polis: noua educație nu pune bazele virtuților civice. Din acest punct de vedere, alegerea lui Socrate ca reprezentant al noilor mișcări nu a fost o greșeală artistică. Oricât de mari au fost diferențele dintre Socrate și sofiți pe o serie de probleme, el a fost unit cu aceștia printr-o atitudine critică față de morala tradițională a polisului, pe care Aristofan o apără în comedia sa.

Aristofan are aceleași concepții în ceea ce privește noul tendințe literare. El ridiculizează adesea poeții lirici la modă, dar principala sa polemică este îndreptată împotriva lui Euripide, ca cel mai proeminent reprezentant scoala nouaîn genul poetic de frunte al secolului al V-lea. - tragedie. Găsim deja în acharnieni ridiculizarea lui Euripide și a eroilor săi zdrențuiți și șchiopi; Piesa „Femeile la Festivalul Thesmoforiei” (411) a fost în mod special îndreptată împotriva lui Euripide, dar polemica lui Aristofan și-a primit cel mai fundamental caracter în „Broaștele” (405).

Această comedie se împarte în două părți. Prima înfățișează călătoria lui Dionysos în împărăția morților. Zeul competițiilor tragice, deranjat de golul de pe scena tragică după moartea recentă a lui Euripide și Sofocle, pleacă în lumea interlopă pentru a-și scoate la iveală Euripides preferat. Această parte a comediei este plină de scene bufonoase și efecte spectaculoase. Lașul Dionysos, care se aprovizionase cu pielea de leu a lui Hercule pentru călătoria periculoasă, și sclavul său Xanthius se află în diverse situații comice, întâlnindu-se cu figuri fantastice cu care folclorul grec a populat regatul morților. Dionysos, de frică, își schimbă constant rolurile cu Xanthius și de fiecare dată în detrimentul lui. Comedia și-a luat numele de la corul de broaște care, în timpul traversării lui Dionysos către lumea interlopă pe naveta lui Charon, își cântă cântecele cu refrenul „brekekekex, koax, koax”; Acest cor este folosit doar într-o singură scenă și este ulterior înlocuit de un cor de mistici (adică cei care s-au alăturat misterelor). Parodia corului mistic ne interesează pentru că reprezintă o reproducere literară a cântecelor culte în cinstea lui Dionysos, care a servit drept una dintre originile comediei. Imnurile și ridicolul corului sunt precedate aici de discursul de deschidere al liderului, compus în anapeste, prototipul de cult al parabasului comic.

Problemele „Broaștelor” sunt concentrate în a doua jumătate a comediei, în „agonul” lui Eschil și Euripide. Euripide, care a ajuns recent în lumea interlopă, revendică tronul tragic, care până atunci îi aparținea incontestabil lui Eschil, iar Dionysos este invitat, ca persoană competentă, să fie judecătorul competiției. Eschil se dovedește a fi câștigătorul, iar Dionysos îl ia cu el pe pământ, contrar intenției sale inițiale de a-l lua pe Euripide. Concursul poeților tragici din „Broaște”, parodiând parțial metode sofisticate de evaluare a operelor literare, este pentru noi cel mai vechi monument al criticii literare antice. Sunt analizate stilul ambilor rivali, prologurile lor, latura muzicală și lirică a dramelor lor. De cel mai mare interes este prima parte a concursului, în care este luată în considerare problema principală a sarcinilor artei poetice și, în special, a sarcinilor tragediei. Poetul este un profesor de cetățeni.

întreabă Eschil.

Răspunsul lui Euripide spune:

Pentru discursuri sincere, pentru sfaturi bune și pentru a fi mai deștepți și mai buni

Ei fac cetățeni ai pământului lor natal.

Din această poziție, acceptată de ambii rivali ca fiind cea originală, tragedia lui Eschil se dovedește a fi un demn succesor al poeților antici:

Conform preceptelor lui Homer, în tragedii am creat eroi maiestuoși -

Și Patroclu și Teucrov cu sufletul ca un leu. Am vrut să ridic cetățenii la ei,

Pentru ca ei să poată sta la egalitate cu eroii atunci când aud trâmbițele războiului.

Cât despre Euripide, eroii săi, datorită pasiunilor lor patologice și a proximității de nivelul mediu, nu pot servi drept modele pentru cetățeni. Măreția imaginilor tragediei ar trebui să fie egalată cu discursuri sublime, aspectul sublim al personajelor, tot ceea ce Euripide a abandonat în mod conștient. Aristofan nu închide în niciun caz ochii la neajunsurile tragediilor lui Eschil, la lipsa lor de dinamism, la supraîncărcarea patetică a stilului, dar banalitatea limbajului personajelor lui Euripide și trucurile sofisticate ale discursurilor lor i se par nedemne de tragedie.

Nu sta la picioarele lui Socrate,

Nu vorbi, uitând de Muze,

Uitând de sensul superior

Artă tragică, -

Aceasta este calea dreaptă și înțeleaptă,
- încheie corul la finalul concursului. Din nou, imaginea lui Socrate apare ca reprezentant al criticii sofiste, subminând fundamentele ideologice ale tragediei. Aristofan vede pe bună dreptate noile tendințe ideologice ca pe o amenințare la adresa rolului educațional pe care l-a jucat până atunci poezia în cultura greacă. Într-adevăr, începând din perioada sofistică, poezia încetează să mai fie instrumentul cel mai important de discutare a problemelor ideologice, iar această funcție trece la genurile literare prozaice, oratorie și dialog filozofic.

„Broaștele”, pusă în scenă cu puțin timp înainte de înfrângerea decisivă a Atenei în Războiul Peloponesian și prăbușirea puterii maritime ateniene, reprezintă ultima comedie de tip „vechi” cunoscută nouă. Lucrările ulterioare ale lui Aristofan diferă semnificativ de cele anterioare și indică începutul unei noi etape în dezvoltarea comediei.

Deja în a doua jumătate a Războiului Peloponezian, situația politică nu era propice pentru libertatea de batjocură a oamenilor de stat de seamă. Începând cu „Păsările”, ascuțimea satirei politice a lui Aristofan, actualitatea și concretetatea ei slăbesc. Lovitura finală pentru licența de comedie a fost dată de rezultatul nefericit al războiului din Peloponesia. În Atena slăbită, viața politică nu mai avea caracterul ei de odinioară furtunoasă, iar interesul pentru problemele politice actuale în rândul maselor a scăzut. Micii proprietari de pământ, ale căror sentimente Aristofan le asculta mereu cu sensibilitate, erau atât de distruși încât participarea la adunarea națională, care distrase țăranul de la munca sa, a început să fie plătită. Comedia politică de actualitate a pierdut teren; Există informații, deși vagi, că libertatea ridicolului comic a fost supusă restricțiilor legislative.

Odată cu schimbarea naturii comediei, rolul corului, acel komos, care era înainte principalul purtător al momentului acuzator, a căzut. Și aici, semne binecunoscute de declin sunt observate deja la sfârșitul secolului al V-lea. Astfel, prima parte a parabasa („parabasa” în sensul propriu al cuvântului), care în comediile timpurii ale lui Aristofan a servit pentru polemicile poetului cu adversarii săi literari și politici, în „Păsări” și „Femeile la festival”. de Thesmophoria” este pus în legătură cu intriga, iar în „Lysistrata” și „Broaștele” sunt complet eliminate. În secolul al IV-lea. rolul corului este deja complet slăbit; melodiile pe care le interpretează între episoadele individuale ale comediei au natura unor numere de inserare, care nu sunt incluse în textul acesteia atunci când comedia este publicată. Oricum, chiar și în noile condiții politice, Aristofan nu refuză să pună probleme sociale sub forma unui complot de carnaval cu relații sociale „inversate”, tipice comediei „vechi”. În comediile sale ulterioare cunoscute nouă, revine la tema utopiei sociale. Acest subiect a fost relevant și în literatura serioasă. Criza severă de la începutul secolului al IV-lea, stratificarea bruscă a proprietății în cadrul comunităților grecești, sărăcirea unor mase mari de cetățeni liberi - toate aceste simptome ale prăbușirii polisului au determinat căutarea unor noi forme de sistem statal. Au apărut o serie de proiecte utopice pentru un stat ideal. Trăsătură caracteristică Aceste utopii sclavagiste sunt idealizarea reacționară a polis-ului „proprietății private comune”, ideea creării unui stat sclavagist în care „cetățenii” s-ar hrăni cu drepturi egale în detrimentul muncii sclavilor. Cel mai faimos dintre aceste proiecte este Republica lui Platon, în care oamenii sunt împărțiți în

trei clase - artizani, războinici și filozofi, iar pentru clasele consumatoare, adică războinici și filozofi, Platon propune desființarea proprietății private și a familiei. O caricatură a acestui gen de utopie este oferită de comedia lui Aristofan „Femeile în Adunarea Națională” („Legislatorii”, 392): femeile, după ce au preluat puterea, înființează comunitatea de proprietate și comunitatea de soții și soți, ceea ce duce la diferite feluri. a conflictelor comice în pământul proprietății și al iubirii.

Utopia din comedia „Plutos” („Bogăție”, 388) are un caracter mai fabulos. Bietul Khremil, după ce l-a prins pe orbul Plutos, zeul bogăției, îl vindecă de orbire. Atunci totul în lume se întoarce cu susul în jos: oamenii cinstiți încep să trăiască din belșug, dar lucrurile merg prost pentru adidași și bătrâna bogată, care până atunci și-a ținut tânărul iubit cu banii ei; zeii și preoții se dovedesc a fi inutile și se grăbesc să se adapteze la noua ordine. „Agonul” are un caracter serios în această comedie. Sărăcia apare în ea și demonstrează că nevoia și munca, și nu bogăția și lenevia, sunt sursele culturii. Sărăcia ridică o întrebare care este fatală pentru toate utopiile antice: cine va lucra și va produce dacă toată lumea este un consumator bogat? Sclavi, spune răspunsul stereotip. Și cine va prelua munca de a prinde și de a vinde sclavi? Nu există niciun răspuns la asta. „Nu mă vei convinge, chiar dacă mă convingi!” exclamă Khremil și o alungă pe Poverty.

Opera lui Aristofan încheie una dintre cele mai strălucitoare perioade din istoria culturii grecești. El oferă o satiră puternică, îndrăzneață și sinceră, adesea profundă, despre starea politică și culturală a Atenei în timpul unei perioade de criză a democrației și declinul viitor al polis. Oglinda distorsionantă a comediei sale reflectă cele mai diverse pături ale societății, bărbați și femei, oameni de statși generali, poeți și filozofi, țărani, orașe și sclavi; măștile tipice caricaturale capătă caracterul unor imagini clare, generalizatoare. Deoarece Aristofan este pentru noi singurul reprezentant al genului comediei „vechi”, ne este dificil să evaluăm gradul de originalitate și să stabilim ce datorează predecesorilor săi în interpretarea intrigilor și măștilor, dar strălucește întotdeauna cu o sursă inepuizabilă de spirit și strălucirea talentului liric. Cu cele mai simple tehnici el realizează cele mai acute efecte comice, deși multe dintre aceste tehnici, amintindu-ne constant că comedia a apărut din jocuri și cântece „falice”, poate să fi părut prea grosolane și primitive în vremurile de mai târziu.

Trăsăturile specifice ale comediei atice antice erau atât de strâns legate de condițiile politice și culturale ale vieții din Atena secolului al V-lea, încât reproducerea formelor sale stilistice în vremurile ulterioare a fost posibilă doar experimental. Găsim astfel de experimente la Racine, Goethe și la romantici. Scriitori care au fost cu adevărat apropiați de Aristofan în tipul talentului lor, precum Rabelais, au lucrat într-un gen diferit și au folosit diferite forme stilistice.

Comedie medie

Eliminarea aspectului politic și slăbirea rolului corului a dus la faptul că comedia atică a intrat în secolul al IV-lea. de-a lungul potecilor conturate de Epiharmus. Savanții antici au numit-o comedie „medie”. Producția de comedie din această perioadă este foarte mare. Anticii au numărat 57 de autori, dintre care cei mai cunoscuți au fost Antifan și Alexis, și 607 de piese de comedie „medie”, dar niciunul nu a supraviețuit complet. Doar am ajuns număr mare titluri și o serie de fragmente. Acest material ne permite să concluzionam că în comedia „medie”, temele parodi-mitologice au ocupat un loc mare și nu numai miturile în sine au fost parodiate, ci și tragediile în care s-au dezvoltat aceste mituri. Cel mai popular scriitor tragic la acest moment a fost Euripide, iar tragediile sale au fost cel mai adesea parodiate (de exemplu, Medea, Bachae). O altă categorie de titluri indică teme de zi cu zi și dezvoltarea măștilor tipice: „Pictor”, „Flutist”, „Poetess”, „Doctor”, „Parazit”, etc. Eroii comediei sunt adesea străini: „Lydian”, „ beoțian”. Nepoliticonia ridicolului caracteristică comediei „vechi” a fost atenuată aici. Acest lucru nu înseamnă, totuși, că contemporanii în viață au încetat să mai apară în comedie; s-a păstrat vechiul obicei, dar numai figurile înfățișate aparțin unui alt mediu, unei alte sfere de „celebrități” urbane. Acestea sunt heterele, cheltuitorii și bucătarii. Mâncarea și dragostea, motivele originale ale jocurilor rituale de carnaval, continuă să fie caracteristice comediei „medie”, dar numai într-un design nou, mai apropiat de viața de zi cu zi. Prin reducerea tulburării de carnaval și a momentului bufonist, de „clovn”, a crescut o acțiune dramatică mai strictă și completă, bazată adesea pe o relație amoroasă. Comedia „de mijloc” constituie o etapă de tranziție către „noua” comedie attică, comedie de personaje și comedie de intriga, care s-a dezvoltat la sfârșitul secolului al IV-lea, până la începutul perioadei elenistice.

CAPITOLUL III. PROZA secolele V - IV.

Proza literară, apărută în secolul al VI-lea. în Ionia, dezvoltat intens în următoarele două secole. Domeniul de aplicare al cuvântului vers, care până atunci era un instrument universal al creativității literare, se restrânge constant; proza împinge deoparte poezia, înlocuind-o într-o serie de domenii. Atât apariția prozei (p. 93 și urm.), cât și creșterea acesteia sunt asociate cu prăbușirea viziunii mitologice asupra lumii, cu dezvoltarea gândirii critice și științifice punct în istoria prozei greceşti. Din ultimul sfert al secolului al V-lea. proporția prozei crește atât de mult încât devine ramura dominantă a literaturii grecești până la sfârșitul perioadei atice.

Proza presofistă se dezvoltă în acele două direcții care au apărut încă de la origini în Ionia. Aceasta este, în primul rând, proză științifică și filozofică, apoi istorică și narativă. Sofistica se alătură acestor genuri diverse tipuri„discursuri” și noi forme artistice de prezentare filozofică. Apoi sunt stabilite trei ramuri principale în care teoria literară antică a clasificat proza literară: istoriografia, elocvența și filozofia. Dincolo de asta

Partea principală a comediei este agonul, adică argumentul. În comedia literară, tema disputei este determinată de evenimentele socio-politice actuale, dar la origine, agonul este un rudiment al comediei populare asociat cu ritualul sărbătorilor de fertilitate. O parte esențială a acestor sărbători a fost reprezentarea luptei dintre primăvară și iarnă, anul tânăr cu bătrânii și așa mai departe. Victoria a fost sărbătorită cu o sărbătoare de băuturi și distracție amoroasă. În comedia literară, tema agonului a fost conturată în prolog în dialogul actorilor, apoi această temă a fost preluată de corul (paroda) care ieșea la orchestră. Atunci agonul a atins punctul culminant, iar victoria s-a încheiat cu o sărbătoare și glorificare a bucuriilor iubirii. Aceasta a încheiat comedia, iar actorii și corul au părăsit orchestra (exodul).

Alături de tema principală a agonului, interpretată de actori și de un cor împărțit în două semicoruri în conflict, comedia a inclus și scene cotidiene ocazionale. Au fost reprezentați de actori fără participarea unui cor în partea a doua a comediei înainte de exod. Aceste scene își datorează originea dramei de benzi desenate populare, cunoscută de multă vreme printre multe națiuni. Astfel de scene erau un tip preferat de spectacol. Ei înfățișau aventurile unui hoț ghinionist, a unui medic șarlatan narcisist, a unui birocratic prost și urât sau a unui lacom, uneori, în locul figurilor cotidiene, apăreau zei sau eroi, dar întotdeauna în rolul unor personaje comice; De exemplu, Zeus este eroul aventurilor amoroase, Hera geloasă, Hercule mâncăcios, Ulise necinstit etc. Participanții la spectacolul în măști au improvizat textul, aderând la schema de bază a intrigii de natură cotidiană sau parodie-mitologică.

La începutul secolului al V-lea. î.Hr Poetul Epiharm a trăit în Sicilia. Potrivit tradiției, el a fost primul care a scris texte pentru astfel de spectacole distractive, adică a limitat improvizația și a introdus o singură și completă acțiune. Lucrările lui Epiharmus sunt cunoscute doar fragmentare. Piesele lui nu aveau refren. Conținutul lor a fost împrumutat fie din mit, fie din viața de zi cu zi. Numele comediilor de zi cu zi ale lui Epicharmus „Sătenul”, „Jafurile”, „Femeile megariene” și altele au fost păstrate în Egipt. Ulise este trimis la Troia ca spion, dar, nevrând să se riscă, se urcă într-un șanț de pe marginea drumului și compune o poveste despre șederea sa în tabăra inamicului. Într-un fragment, de exemplu, este descris un erou puternic. Hercule:

Dacă l-ai vedea mâncând, ai muri.

Din gât se aude tunet, din fălci se aude un vuiet,

Poți auzi scârțâitul rădăcinilor și trosnitul colților,

Fluieră cu nările, își mișcă urechile.

În sudul Italiei și Sicilia erau răspândite scenele populare de zi cu zi, care erau reprezentate în costume, dar fără nici un decor teatral și fără măști. Aceștia au fost numiți mimi și ne-au devenit cunoscuți în adaptarea literară a siracusanului Sofron, care a fost probabil contemporan cu Epiharm. Pe lângă titlurile mimelor lui Sophron („Pescarii”, „Darners”, „Bătrâni” etc.), a ajuns la noi un fragment de papirus care conține o conversație între două femei angajate în ceremonii magice.

În Atena, scenete de benzi desenate populare combinate cu cântece komos. Aici comedia și-a căpătat forma clasică, iar conținutul ei a devenit cu scop ideologic și semnificativ social. Filologii antici au remarcat deja că comedia antică ar putea apărea numai în condiții de libertate de exprimare și critică. Libertatea de expunere personală și politică care a înflorit în Atena Periclean a contribuit la dezvoltarea și popularitatea acesteia. Prin urmare, comedia antică, folosind momentul de ceartă și ciocnire care este obligatoriu pentru dansul rotund popular, a intrat în lupta pentru idealuri sociale înalte și a luat armele împotriva tuturor celor care au încălcat fundațiile polisului.

Tradiția a păstrat până astăzi trei nume de mari poeți de comedie. Primul dintre ei, Cratina, se numea Eschilul comediei și spuneau că „a călcat pe urmele lui Arhiloh și a fost sever în atacurile sale”, pentru că întotdeauna „își arunca cenzura direct și, după cum se spune, cu capul înainte, la oameni necinstiți.” Eupolis, care a murit în război, a devenit faimos pentru spiritul și curajul comediilor sale. Atenienii iubeau în special una dintre comediile sale, în care îi forța pe marii oameni de stat ai trecutului să iasă din lumea interlopă pentru a ajuta Atena. Din comediile lui Cratinus și Eupolis au supraviețuit doar fragmente. Prin urmare, singurul autor de comedie antică cunoscut nouă este cel de-al treilea reprezentant al acesteia, Aristofan, din ale cărui 44 de lucrări 11 au supraviețuit integral.

Potrivit lui Aristotel, arta de a construi acțiune comică, dezvoltată în Sicilia, a avut o anumită influență asupra dezvoltării comediei în Atena. Cu toate acestea, fundamentale pentru direcția generală a comediei „vechi” attice sunt tocmai acele momente a căror absență în Epiharm tocmai am remarcat-o. Comedia mansardă folosește măști tipice („războinic lăudăros”, „șarlatan științific”, „clovn”, „bătrână beată” etc.), printre operele poeților comici atenieni se numără piese cu intriga parodică-mitologică, dar niciuna nu constituie; chipurile comediei attice. Obiectul său nu este trecutul mitologic, ci modernitatea vie, probleme actuale, uneori chiar de actualitate, ale vieții politice și culturale.

Combinând komos cu scene de desene animate într-un complot simplu, dar totuși coerent, comedia „veche” are o diviziune simetrică foarte particulară asociată cu structura antică a cântecelor komos. Corul de benzi desenate era format din 24 de persoane, adică de două ori mai mare decât corul de tragedii din vremurile lui pre-Sofocle. S-a împărțit în două semi-coruri, uneori în război între ele. În trecut, acestea erau două „găști” de sărbători „concurente” între ele; în comedia literară, unde „concurența” cade de obicei asupra actorilor, ceea ce rămâne din dualitatea refrenului este forma exterioară, interpretarea alternantă a cântecelor de semicoruri separate în corespondență strict simetrică. Cea mai importantă parte a corului este așa-numitul parabas, interpretat în mijlocul comediei. De obicei nu are nicio legătură cu acțiunea piesei; corul își ia rămas bun de la actori și se adresează direct publicului. Parabasa constă din două părți principale. Prima, pronunțată de conducătorul întregului cor, este un apel către public în numele poetului, care aici stabilește punctele cu rivalii săi și cere o atenție favorabilă piesei. În același timp, corul trece în fața publicului într-un ritm de marș („parabassa” în sensul propriu al cuvântului). A doua parte, cântecul corului, are un caracter strofic și este alcătuită din patru părți: oda lirică („cântec”) a primului hemihor este urmată de un recitativ epirrema („proverb”) a conducătorului acestui hemihor în un ritm troheic de dans; în strictă concordanță metrică cu oda și epirema, se localizează apoi antoda celei de-a doua hemichorie și antepirrema conducătorului acesteia.

Principiul compoziției „epirematice”, adică alternarea în perechi a odelor și epiremelor, pătrunde și în alte părți ale comediei. Aceasta include, în primul rând, scena „competiției”, agonul, în care este adesea concentrată latura ideologică a piesei. Agon are în cele mai multe cazuri o construcție strict canonică. Două personaje „concurează” între ele, iar disputa lor constă din două părți; în primul, rolul principal aparține părții care va fi învinsă în competiție, în al doilea - câștigător; ambele părți se deschid simetric cu ode corale în corespondență metrică și o invitație de a începe sau continua competiția. Există, totuși, scene de „concurență” care se abat de la acest tip.

Următoarea structură poate fi considerată tipică pentru comedia „veche”. Prologul oferă o expunere a piesei și conturează proiectul fantastic al eroului. Urmează o parodă (introducere) de către cor, o scenă live, adesea însoțită de un scrum, la care participă și actorii. După agon, scopul este de obicei atins. Apoi se dă parabasa. A doua jumătate a comediei este caracterizată de scene de tip farsic în care sunt înfățișate consecințele bune ale proiectului și diverși extratereștri enervanti care tulbură această beatitudine sunt alungați. Corul de aici nu mai ia parte la acțiune și mărginește doar scenele cu cântecele lor; printre ele există adesea o parte construită epirematic, de obicei numită, din păcate, „a doua parabassa”. Piesa se încheie cu o procesiune de komos. Structura tipică permite diverse abateri, variații și rearanjamente ale părților individuale, dar comediile din secolul al V-lea cunoscute nouă, într-un fel sau altul, gravitează spre ea.

Aceasta este o comedie antică O dramă de cult dedicată lui Dionysos, interpretată de un cor și actori. Toate tipurile comedie antică(folclorice și literare) aveau o formă poetică și erau interpretate acompaniate de muzică; actorii și coregrafii purtau măști. Au existat două forme de comedie literară independente din punct de vedere istoric și tipologic: siciliană și mansardă. Natura comediei attice s-a schimbat semnificativ de-a lungul timpului, așa că deja în antichitate se distingeau trei etape succesive: comedia veche, mijlocie și nouă. Comedia populară din sudul Italiei s-a dezvoltat sub influența predominantă a comediei literare attice. Comedia romană a fost creată și dezvoltată după modelul comediei atice exclusiv noi. Din diferite tipuri comedia în sens strict ar trebui să fie distinsă de alte genuri dramatice, care erau „comice” în spirit, dar nu erau considerate comedie în Grecia, deoarece nu erau legate genetic de forme strict definite ale cultului lui Dionysos. Acestea includ drama satirică (un tip de tragedie) și diverse forme dialogice mici, lipsite de unitate de gen, care au fost numite mimi. Abia la Roma, unde cultul grecesc și formalitățile teatrale și-au pierdut sensul, mimica latină a început să fie privită ca un tip de comedie.

comedie siciliană

Comedia siciliană este deja cunoscută în formă dezvoltată pe baza operei poetului Epiharmus(c. 550-460 î.Hr.) din Siracuza. S-au păstrat fragmente din 40 de comedii ale sale, care arată că tema originală și principală a comediei siciliene au fost reprezentările travestite ale miturilor (Nunta lui Hebe, Pyrrha și Prometeu, Philoctetes etc.). Totuși, așa cum arată Aristotel (Poetica, V), Epiharmus și (practic necunoscut nouă) Formius au început să folosească „fictiv”, adică. nu povestiri mitologice. Un exemplu de dezvoltare a unei teme pur cotidiene este dat de imaginea unui parazit într-un pasaj lung din comedia „Speranță sau bogăție”, dar aici, judecând după nume, zeitățile personificate ar fi putut participa. Unele pasaje abordează probleme filozofice. Comediile lui Epiharmus sunt scrise în dialectul dorian în iambic.

Comedie antică atic

Din 487 î.Hr. Concursurile oficiale ale corurilor de benzi desenate încep la Atena. Primul poet de comedie cunoscut pe nume a fost Chionides. Comedia antică este cunoscută din opera ultimului său reprezentant, Aristofan, de la care au supraviețuit 11 comedii, puse în scenă în 425-388 î.Hr. De la alți poeți secolul al V-lea î.Hr (Kratin, Kratet, Eupolis) au ajuns fragmente. Comedia antică se deschide cu un prolog, care, ca într-o tragedie clasică dezvoltată, se dezvoltă într-o scenă dialogică extinsă; Urmează parodul, adică. un cântec care însoţeşte intrarea corului în orchestră. În spatele oamenilor, începe agonul, o competiție între cele două personaje principale; Partea centrală a comediei este ocupată de parabaza, o reprezentație îndelungată a corului (în timpul interpretării parabazei, horele și-au scos măștile). Parabaza este înconjurată de o serie de mici scene vag legate prezentate de actori, iar comedia se încheie cu un exod, o melodie care însoțește plecarea corului din orchestră. Parabaza este o compozitie melica complexa, construita in principal dupa principiul antistrofic; nu are legătură directă cu intriga comediei și conține declarații ale autorului dedicate diverselor probleme de actualitate. O intriga în curs de dezvoltare nu era importantă pentru comedia antică. Potrivit lui Aristotel (Poetica, V), un „mit” comic coerent (adică fabula) a fost introdus pentru prima dată de Crates (după 450 î.Hr.) după exemplul comediei siciliene. Conținutul comediei a fost determinat în mare măsură de originea ei cultă: erau necesare scene de lăcomie, lupte, glume erotice caracteristice ritualurilor asociate cultului fertilității, alături de abuzuri (invective) îndreptate împotriva anumitor indivizi. Începând cu Poetica lui Aristotel, această invectivă personală a fost văzută ca un element necesar al comediei antice. Zeii erau adesea reprezentați fie în mod tradițional, fie personificați. Sunt cunoscute comedii a căror intriga era pur mitologică, de exemplu: „Dionysoalexander” de Cratin (după 430 î.Hr.), în care era prezentat mitul curții din Paris; mitologice (deși în afara mitologiei tradiționale) sunt comediile „Lumea” (421 î.Hr.) și „Păsările” (414 î.Hr.) de Aristofan. Comedia antică se caracterizează printr-o interpretare alegorică (în principal politică) a miturilor, ceea ce indică rolul său ideologic important într-o societate a cărei conștiință era încă bazată în principal pe mitologie. Comediile pe intrigi „ficționale” erau pamflete politice, nu drame de zi cu zi, dar nu numai politicieni, ci și filozofi („Norii” lui Aristofan, 423 î.Hr.), muzicienii și poeții au devenit victimele comedianților: atacurile asupra tragedianilor și rivalilor - comedianții sunt adesea găsit la Aristofan. Un motiv preferat a fost parodia tragediei. Astfel, comedia a devenit una dintre primele forme de critică literară și artistică. Personajele comediei antice sunt caricaturi dacă acestea sunt persoane reale, atunci personajele lor sunt restrânse și reduse la o trăsătură, aleasă de poet pentru ridicol; probleme eticeîn general, comedianții nu sunt interesați. Ca și alte genuri de poezie greacă, comedia avea propriile reguli metrice. Principalii metri dialogici ai dramei grecești - trimetrul iambic și tetrametrul trohaic - sunt interpretați în comedie în multe feluri diferit decât în tragedie, iar dezvoltarea metrică a părților corale este, de asemenea, unică; limbajul comediei era aproape colocvial. Corul de benzi desenate era format din 24 de persoane, numărul actorilor putând ajunge până la cinci. Măștile comediei antice erau grotești și urâte, măștile fețelor reale aveau o asemănare portretistică.

Comedia mansardă mijlocie

Comedia de la mansarda mijlocie este datată provizoriu în anii 404-336 î.Hr., reprezentată prin denumirile Platonomics, Antiphanes, Aristofon, Alexis; conservarea textelor este foarte slabă, dar o idee despre această perioadă se poate forma din dramele târzii ale lui Aristofan - „Broaște” (405), „Femeile în Adunarea Națională” (389), „Avuție” (388). ). Nu există schimbări structurale semnificative, dar interludiile corale par să separe scenele de comedie; iar în viitor aceasta devine norma. Subiecte politiceîși pierd relevanța și dispar; în locul lor vine o utopie politică; viața de zi cu zi este descrisă mai realist. Aristofan este interesat de mit fie ca alegorie, fie ca pretext pentru o parodie a tragediei, dar Platon și alți poeți folosesc nume mitologice. Ridicul filosofilor devine un subiect preferat.

Noua comedie la mansarda

În anii 330 î.Hr. Comedia mansardă a fost reformată radical, și deja prin 324 î.Hr. se referă la prima comedie a lui Menandru, care a fost ulterior recunoscut drept cel mai bun reprezentant al noii comedii. Datorită descoperirii manuscriselor antice din papirus deja în secolul al XX-lea, s-au păstrat în întregime fragmente lungi din cele șapte comedii ale lui Menandru; Alți poeți semnificativi ai noii comedii activează în a doua jumătate a secolului al IV-lea î.Hr. (Diphilus, Filemon, Apollodorus), sunt cunoscute din fragmente și din imitații libere în palliata romană. Există foarte puține informații despre reprezentanții de mai târziu ai genului. Noua comedie attică, nici ca formă, nici prin conținut, este o continuare a celei antice și este o „comedie a personajelor” etică, al cărei model a fost tragediile lui Euripide. Structura noii comedii este, în general, orientată și spre tragedia de la sfârșitul secolului al V-lea î.Hr. Comedia constă dintr-un prolog și exod, urmate de mai multe acte corespunzătoare episoadelor tragediei și separate de părți ale corului. Corul nu ia parte la acțiune, în multe cazuri, poetul nu a scris un text pentru cor, ci doar „a lăsat loc” acestuia. Deja în Menandru este prezentată împărțirea în cinci acte teoreticienii romani, începând cu Horațiu („Știința poeziei”), consideră o astfel de împărțire ca o cerință structurală necesară a comediei. Intriga trebuie să fie complexă, dar construită cu grijă și consecvență, în timp ce în celebrele comedii neo-attice (precum și în palliata romană), principiile construcției intrigii formulate în „Poetica” lui Aristotel sunt respectate destul de exact. Ca și în tragedia de mai târziu, rezumat comedia este prezentată în prolog. Comploturile fantastice și mitologice nu sunt permise în noua comedie, zeii sunt posibili doar ca personaje din prolog. Subiecte - din viața de zi cu zi oameni obișnuiți; iar statutul social al personajelor este, de asemenea, o cerință primordială a genului. Cu toate acestea, principala sarcină și obiectivul artistic al noii comedii nu a fost o reprezentare naturalistă a vieții de zi cu zi, ci un studiu poetic al tipurilor etice, care în filosofia lui Platon și Aristotel au fost numite ethos (ethos - „personaj”). Sensul familiar al cuvântului „personaj” a apărut tocmai în noua comedie (Menander, fragment 72). Acțiunea a fost văzută ca o manifestare exterioară a etosului; fiecare personaj de benzi desenate a fost asociat cu un set limitat de mișcări și situații ale intrigii; aspect iar vorbirea personajelor trebuia să fie strict în concordanță cu caracterul lor. Metoda artistică a noii comedii devine clară în multe privințe datorită colecției de eseuri etice „Personajele”, compilate de studentul lui Aristotel Teofrast. Schematismul rigid și stereotipurile erau percepute în vremuri străvechi ca o virtute, dar poetul a trebuit să aplice intriga și schemele etice cu subtilitate, fără a depăși granițele verosimilității vieții. O diferență importantă (pentru teoreticienii antici, principala) între noua comedie și cea veche a fost respingerea completă a invectivei personale. Prin urmare, o comedie ar trebui, în timp ce distrează, să instruiască publicul element necesar comediile erau maxime. Reprezentarea scenică a personajului era o mască cu trăsături ascuțite, ușor de recunoscut. S-au păstrat descrierile măștilor noii comedie, care sunt date de un lexicograf din secolul al II-lea d.Hr. Iulius Pollux (Polydeuces).

Comedie din sudul Italiei

În orașele grecești din sudul Italiei, spectacolele actorilor rătăciți Phlias, considerați slujitori ai lui Dionysos, erau populare. Fliaks reprezenta comedii mitologice parodioase sau parodii de tragedii. O adaptare literară a dramei fliacilor a fost realizată de Rinton din Tarentum (secolul al III-lea î.Hr.), care a reelaborat intrigile tragediei în spiritul comediei neo-atice. O astfel de dramă a fost numită hilarotragedie (de la hilaros - „vesel”), teoreticienii romani au identificat genul dramei rhinton (rinthonica). Singurul text păstrat complet este comedia latină a lui Plautus (sec. III-II î.Hr.) „Amphitryon”, pe care autorul însuși o definește ca o tragicomedie. Participarea la acțiunea zeilor și a regilor, personajele necesare ale tragediei, a fost considerată o trăsătură importantă de formare a genului care distinge drama Rinton de comedia obișnuită, dar în rest, „Amphitryon” este o comedie tipică New Attic. Din popoarele indigene din Italia, Osci au creat o comedie numită Atellana. În secolul al II-lea î.Hr. Atellana a apărut pe latin.

comedie romana

Spectacole de comedii în latină la Roma au început la mijlocul secolului al III-lea î.Hr. Până la sfârșitul secolului I, a fost creat un sistem extins de genuri comice, inclusiv togata, palliata, atellana literară și mima.

Cuvântul comedie vine de la Greacă komoidia - „cântec comic” de la komos „procesiune bacanală” și oide, care înseamnă „cântec”